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Wolfwalkers - il popolo dei lupi: il miglior film animato dell’anno? [RENCESIONE]

Sun, 05 Dec 2021 04:10:11 +0000

Wolfwalkers segna il debutto di AppleTV agli Oscar

Presentato al Toronto film festival nel settembre 2020, Wolfwalkers ha segnato (finalmente) l’esordio dell’ancora acerba “appleTV” agli oscar come miglior film di animazione, al fianco del miglior sonoro per “Greyhound – Il nemico invisibile”.

Titolo originale: Wolfwalkers

Regia: Tomm Moore, Ross Stewart

Anno: 2020

Durata: 103m

Genere: Animazione, avventura, fantasy, famiglia

Trama

L’intera storia è ambientata nella piccola cittadina irlandese del Kilkenny, la quale è governata dal malvagio e conservatore Lord Protector.

Quest’ultimo ha il compito di abbattere tutti gli alberi della foresta in quanto vi vivono un branco di lupi che spaventano i contadini e i pastori al di fuori delle mura.

La protagonista è Robyn, una giovane ragazza che ha il sogno di diventare una cacciatrice come suo padre, Bill Goodfellowe che ha il compito di sterminare tutti i lupi della foresta.

Robyn

Nonostante i vari rimproveri del padre, un giorno, Robyn decide di seguirlo di nascosto in una missione di caccia e così si intrufola furtivamente nel bosco dove ferisce il proprio falco Merlyn. Inaspettatamente compare una giovane misteriosa, dalle sembianze antropomorfe, che accompagnata da un branco di lupi porta via il piccolo falco. Il giorno seguente la giovane ragazza si reca nuovamente nel bosco dove ritrova Merlyn, miracolosamente guarito.

Nel frattempo viene avvicinata da un piccolo lupo che, grazie anche all’aiuto del falco la conduce alla sua tana, dove rivede la misteriosa ragazza. Fin da subito si crea con la wolfwalker un rapporto speciale che andrà letteralmente a ribaltare le carte in tavola.

Analisi

Il simbolismo di Moore

Il primo impatto che ho avuto con questo meraviglioso film (devo ammetterlo) è stato abbastanza particolare per via dello stile classico che gli autori hanno deciso di utilizzare.

A differenza dei più recenti film di animazione, Wolfwalkers decide di camminare nella direzione contraria preferendo l’animazione fatta a mano (come una volta), alla Ghibli, alla tridimensionalità e all’estremo realismo delle recenti produzioni. A ciò si affianca il particolare e grezzo stile della xilografia che conferisce alla pellicola quel tocco in più, permettendole di distinguersi dalla massa.

Si tratta di uno stile per certi versi azzardato, soprattutto per il fatto che si posso vedere le linee di costruzione nonché i bozzetti dei disegni ma, che calza alla perfezione nel contesto in cui è stato inserito.

Per esempio vedere tale stile su Soul non avrebbe reso allo stesso modo anzi!

Un altro esempio lo si può notare con la predente pellicola del regista Tom Moore “La canzone del mare”.

La canzone del mare

Nonostante al livello grafico i due prodotti presentino numerose somiglianze, è proprio in queste similitudini che è possibile scorgere le differenze: si può notare come lo stile della penultima produzione, nei confronti di Wolfwalkers, siamo meno grezzo e più rifinito, consono alla storia da raccontare.

I dettagli fanno la differenza

Sorprendente è vedere come ogni singolo elemento rappresentato sia funzionale alla trama, a partire dai colori che svolgono, insieme alla colonna sonora, un ruolo di coronamento per quelle che saranno le emozioni provate dal pubblico.

Il bosco

Il film infatti gode di una palette colori molto vasta e dinamica che va ad amalgamarsi alla perfezione con la scene che si stanno vedendo e che va anche a modificare l’intero mood della scena.

La citta'

Lo stesso discorso lo si può fare con le linee che caratterizzano gli elementi: è ben visibile come le abitazioni e tutto ciò che riguarda l’uomo sia raffigurato con delle linee molto nette e squadratee con toni cupi e scuri… a questa realtà si contrappone quella del bosco, dominata da appariscenti colori e linee sinuose che trasmettono allo spettatore una certa armonia. Che piaccia o meno questa tipologia di animazione è un’altro discorso… personalmente adoro questa tipologia “old-style” in quanto mi fa rivivere i vecchi tempi di Topolino e di tutte le pellicole correlate. D’altronde è bello variare!

Una colonna sonora carismatica

Particolarmente sorprendente si è rilevata la colonna sonora del gruppo Kila ma soprattutto la canzone Running with the Wolves della cantante norvegese Aurora (ed arrangiato dal compositore francese Bruno Coulais) che è riuscita perfettamente nel suo ruolo di strappare una lacrima allo spettatore, soprattutto nelle fasi finali del film. Le musiche si sono rivelate sempre adatte, pertinenti ed emozionanti.

Sulle orme di Miyazaki

Ma il vero punto forte di Wolfwalkers è sicuramente il tema centrale dell’opera: il rapporto fra uomo e natura che, purtroppo sta venendo sempre meno.

“Il mondo naturale è qualcosa che l’uomo deve conquistare, proprio come conquista le debolezze della carne” A tale tematica si intersecano altri filoni secondari non di meno importanza come la tematica dell’amicizia pura, la paura per l’ignoto, il conservatorismo religioso, l’oppressione, il rapporto genitore-figlio…

La piccola Kilkenny non è altro che la rappresentazione contemporanea di una qualsiasi città dei giorni nostri. Lo stesso discorso vale per gli uomini, la cui vista è offuscata dalla sete di potere.

La figura di lord Protector richiama la tematica dell’oppressione e va ad personificare le tirannidi che sono avvenute nel corso della storia ma anche quelle che avvengono ai giorni d’oggi davanti agli occhi ciechi di molti. L’opera, sia per tematiche che ambientazioni ricorda molto i capolavori di Miyazaki.

Il valore della sceneggiatura

Wolfwalkers – Il popolo dei lupi è un film che punta il tutto per tutto sui personaggi, in particolare sulle protagoniste. Robyn e Mebh sono caratterizzate come meglio non si potrebbe, sono personaggi reali e in cui è facile riconoscersi. Proprio la sceneggiatura è uno dei punti di forza del film. Si tratta, quella di Will Collins, di una scrittura semplice ma efficace, lineare e priva di fronzoli che avrebbero solamente distolto lo sguardo dalle due protagoniste.

Una scrittura che è riuscita a riunire armoniosamente le tradizioni, la cultura e i miti irlandesi, ad una realtà più ampia e contemporanea.

Basta tutto questo per definire Wolfwalker – il popolo dei lupi uno dei migliori film del 2020?

I Mitchell contro le Macchine: un folle ma fantastico film d’animazione [RECENSIONE]

Sat, 14 Aug 2021 04:10:11 +0000

Titolo originale: The Mitchells vs the Machines

Anno: 2021

Durata: 113m

Regia: Mike Rianda, Jeff Rowe

Genere: Animazione, sci-fi, commedia, avventura, azione

Trama

La protagonista del film “I Mitchell contro le Macchine” è Katie Mitchell una giovane ragazza che decide di coltivare la sua passione per il cinema iscrivendosi ad una scuola dedicata.

La situazione con il padre non è delle migliori e, per cercare di riallacciare i rapporti con sua figlia, decide di riunire la famiglia per un ultimo viaggio in macchina tutti insieme.

Durante il viaggio la famiglia si trova coinvolta in una rivolta delle macchine e saranno costretti ad affrontare la minaccia su scala mondiale. Riusciranno i Mitchell a salvare il mondo e, allo stesso tempo, a recuperare i rapporti fra di loro?

Analisi

I Mitchell contro le Macchine: un film ambizioso e fuori da ogni schema

L’animazione, come oramai ci ha ben insegnato la Sony Animated Picture dopo il capolavoro di Spiderman: Un nuovo Universo, è complessa ma impeccabile sotto (quasi) ogni punto di vista. Forse si sarebbe potuto fare qualcosina in più sul “Background” dato che, per la maggior parte delle scene risulta essere un fermo-immagine privo di dettagli. Problema che però va man mano sminuendosi col passare del tempo.

Animazione che si adatta particolarmente al genere del film stesso, un genere già dotato di suo di mille sfaccettature ma ancora più arricchito dai produttori stessi. Non è affatto facile infatti classificare il nuovo gioiellino di Mike Rianda e Jeff Rowe. Compaiono infatti molte scene e “grafiche” che oserei classificare come insensate, stupide ma allo stesso tempo divertenti.

Uno “sci-fi action comedy” ricco di gag divertenti

I Mitchell contro le Macchine, infatti, è molto più di un film di fantascienza. Si tratta di uno sci-fi action comedy (esiste davvero?) in cui compaiono moltissimi elementi conducibili al cinema comico, che è stato senza ombra di dubbio il vero motore della pellicola, al cinema thriller, d’azione, d’avventura e addirittura drammatico. Un bel mix insomma.

Memorabili saranno sicuramente la scena dello “scudo Mochi“, un’idea malsana e priva di qualunque logica ma che, senza alcun motivo rilevante, funziona alla grande ai fini della narrazione; “The Rick Mitchell Special”, la scena dei Furby…

The Rick Mitchell Special

Non mancano naturalmente gag riguardanti il mondo della tecnologia… in particolare una mi ha colpito in quanto la reputo una scena più attuale che mai: Pal (l’assistente virtuale sviluppato da Brown), disattiva il wifi su tutti i cellulari del mondo e immediatamente le persone perdono l’intelletto trasformandosi in simil-zombie.

Si tratta chiaramente di una caricatura che contribuisce in maniera fantastica a rendere “I Mitchell contro le Macchine”, una pellicola super fluida e dinamica. Chiaramente ogni gag è accompagnata da un sonoro dedicato.

Ottima l’idea di aggiungere delle camere virtuali “casalinghe” pronte ad immortalare le vicende della famiglia, quasi come se si trattasse di un homemade show, in stile “Celebrity Hunted”.

Un film più maturo del previsto

La nota comica che pervade l’intera pellicola è stata sicuramente la chiave di tale successo in quanto è stata dosata alla perfezione ed applicata anche in momenti inaspettati.

D’altro canto però va, in un certo senso, a mascherare delle tematiche molto più serie e mature come il rapporto con la famiglia, l’evoluzione tecnologica, le relazioni interpersonali, l’adolescenza, lo sterminio di massa, i conflitti generazionali…

Tematiche che, seppure vengano “sminuite”, riescono a fare breccia raggiungendo a pieno il cuore dello spettatore. E’ proprio questa la forza de “I Mitchell contro le Macchine”.

Il rapporto genitore-figlio come riconciliazione generazionale

In particolare vi è un focus sul delicato rapporto genitore-figlio e su tutte le questioni e problematiche riscontrabili nel periodo dell’adolescenza.

Di fatto la protagonista non è altro che una giovane teenager in procinto di entrare in una scuola di cinema.

Particolarmente interessante si è rilevata la tematica dell’evoluzione tecnologica che rappresenta in tutto e per tutto la base del film. Tematica che è stata sviluppata in maniera magistrale dagli sceneggiatori e che si ricollega in maniera diretta al mondo di oggi e ad un futuro non troppo remoto. Viene richiamata indubbiamente il concetto di intelligenza artificiale nella sua applicazione più evoluta e fantasiosa possibile nonché il costante problema della privacy in rete.

Da una parte si collocano le dipendenze tecnologiche, dall’altra le incomprensione generazionali.

Pal

Le prime battaglie che i Mitchell devono affrontare sono proprio fra loro stessi, fra i Millennials cresciuti insieme ai social e gli utilizzatori di carta e penna. E’ proprio in questo frangente che compare il tema dell’incomprensione e del ripudio degli strumenti tecnologici che vengono visti come un “male per la società”, qualcosa da abbattere a tutti i costi.

Un miliardario geek tecnologico

Il personaggio di Mark Bowman è un esplicito riferimento a un miliardario geek tecnologico… potrebbe essere benissimo paragonato alla figura di Bill Gates, Elon Musk, Steve Jobs o, in maniera ancora più fantasiosa, all’inimitabile Tony… insomma avete capito cosa intendo.

Mark Bowman

Sono presenti innumerevoli riferimenti… i primi che mi sono venuti in mente guardando il film sono stati indubbiamente “Love Death + Robots” , “Piovono Polpette” (di cui gli stessi Mike Rianda, Jeff Rowe sono registi), “A tutto reality – l’isola”, “Wall- E”, “Come ti rovino le vacanze” ma anche pellicole più mature ed impegnative come “La Guerra dei mondi” di Spielberg.

Proprio per questo motivo è davvero diminutivo descrivere “I Mitchell contro le Macchine” come un semplice “film per bambini” in quanto non è assolutamente così (ANIMAZIONE NON SIGNIFICA FILM PER BAMBINI).

I Mitchell contro le Macchine come autobiografia sul cinema

Tema ricorrente per tutta la durata della pellicola è “l’amore per il cinema“, che sia casalingo o meno non importa. Di fatto la pellicola può essere intesa come una dedica al mondo cinematografico nonché come un’autobiografia stessa, in cui la maggior parte delle celebrità possano impersonarsi. Chiaramente occorre un pò di fantasia!

Tirando le somme possiamo affermare senza ombra di dubbio che “I Mitchell contro le Macchine” non si è rivelato solamente un ottimo film ma il miglior film di animazione finora uscito su netflix!

Soul, la recensione dell’ennesimo capolavoro Disney/Pixar

Wed, 30 Dec 2020 04:10:11 +0000

Dopo il grande successo di Up e successivamente di Inside Out, entrambi vincitori del premio oscar per il miglior film di animazione, Pete Docter ha deciso di dare alla luce un altro capolavoro: Soul!

Il film targato Pixar, presentato lo scorso ottobre al London Film Festival, è stato lanciato il 25 dicembre sulla piattaforma di streaming Disney+ .

Trama

Il protagonista della pellicola è Joe, direttore della banda musicale della scuola media. Il suo vero sogno è quello di poter suonare il pianoforte all’Half Note, il più rinomato locale di New York, insieme alla leggenda jazz Dorothea Williams. Dopo ben 20 tentativi falliti, Joe, contro il volere di sua madre, riesce ad ottenere il posto nella band ma un imprevisto lo allontana sempre di più dal suo sogno.

Joe si trova nell’Ante-mondo, il mondo delle anime e, la chiave per tornare sulla terra è “22”, un’anima ribelle che non ha mai compreso il fascino della vita.

Analisi

Come ogni film Disney/Pixar che si rispetti, ponendo maggior attenzione ai 2 precedenti capolavori di Pete Docter, anche Soul cerca scavare nei sentimenti del pubblico, che si ritrova a vedere un film dalla duplice interpretazione. E’ proprio questo il vero punto di forza della multinazionale californiana: produrre un film per i più piccoli ma riuscire a far innamorare anche gli adulti… e devo ammettere che anche questa volta il regista statunitense ha fatto centro!

Dai ammettilo anche a te, dopo anni, sono rimasti nel cuore i vecchi film Disney che probabilmente ti avranno accompagnato per tutta l’infanzia e continueranno a farlo.

Chi potrà mai dimenticarsi le favolose note di Alan Menken nel maestoso ballo de “La bella e la Bestia” o la spettacolare scena finale de “Il re Leone” sotto la colonna sonora “The circle of life“; la storia d’amore fra Carl ed Ellie in “Up”, la scena finale di “Cenerentola“… non basterebbe un articolo per elencarle tutte!

Una pellicola più matura del solito

È proprio in Soul che questa duplicità, viene fuori in un modo più evidente che mai; a partire dallo stesso titolo, chiaro riferimento al genere musicale e alla traduzione italiana di “anima“… 2 tematiche ricorrenti.

La pellicola di Pete Docter appare infatti una delle più mature all’interno dell’intero catalogo disney, toccando argomenti metafisici e quasi religiosi, cosa che già Inside Out aveva fatto ma che in Soul, vengono portati su un nuovo livello.

Ripercorrono, per quasi tutta la durata della pellicola, le domande esistenziali della vita: “chi siamo“, “qual è il nostro scopo“, “che senso ha la vita“, ecc… affiancate da tematiche più umane come i sogni, le speranze ma soprattutto la realtà.

Un mix fra Coco ed Inside Out

Dal punto di vista testuale quindi, il nuovo prodotto Pixar sembrerebbe tutt’altro che un film adatto ai bambini ma, d’altronde queste tematiche sono state discusse in moltissimi altri film del filone, fra cui, il primo da citare, è sicuramente inside out, il precedente capolavoro di Docter.

È proprio da questo punto di vista che è possibile comprendere l’abilità disney che, è riuscita ad amalgamare queste tematiche così mature, ad un contesto privo di età: la musica… oltre ad altri elementi che si addicono prettamente al mondo dei più piccoli, a partire dal particolare ed interessante character design, fino ad arrivare alla spettacolare figura di 22, un affascinante personaggio dotato di una miriade di diverse sfaccettature caratteriali, inquadrate e descritte alla perfezione.

In sintesi, Soul si presenta al pubblico come il perfetto connubio fra Coco ed Inside Out.

La musica: il collante perfetto

Anche in questa nuova pellicola infatti, la musica funge da pilastro portante tanto da riuscire ad incantare gli spettatori insieme alle magistrali animazioni.

In particolare è incantevole il movimento sopraffino delle dita sul pianoforte che replicano in maniera a dir poco perfetta quello di un vero pianista. PAZZESCO!

È anche nella musica che ricorre un altro tema della pellicola: il sogno e la felicità… è proprio il jazz di Trent Reznor, Jon Batiste, Atticus Ross che riesce a “trasportare” Joe in un mondo mistico, dominato esclusivamente dagli artefatti della propria mente; e il successivo e quasi drammatico ritorno alla cruda realtà.

Realtà che spesso non si manifesta come noi sogni, che spesso risulta essere più dura del previsto e che spesso ci porta ad essere qualcosa non vorremmo essere.

Anche sotto questo punto di vista, il nuovo gioiellino Disney/Pixar si rivela essere più maturo del previsto, fornendo allo spettatore non pochi punti di riflessione e l’importanza di avere, talvolta, un piano B.

Da inside Out viene invece ripresa la maniacale cura per le emozioni che, seppur sempre presente, ha subito qualche colpo in Coco e, il concetto stesso del mondo “ultraterreno” che si avvicina molto a quello della mente umana.

Dal punto di vista grafico si può dire solamente una cosa: un vero e proprio CAPOLAVORO!

Considerazioni finali

Concludendo, il nuovo film targato Disney mi ha colpito moltissimo, non solo per le emozioni che riesce a trasmettere ma anche, e soprattutto, per i temi trattati e i vari spunti di riflessione.

Un pò più impegnativo per i più piccoli ma sicuramente imperdibile!