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La forma dell’acqua: la nuova "Bella e la Bestia"? [RECENSIONE]

Thu, 23 Dec 2021 04:10:11 +0000

La forma dell’acqua (The shape of water), è una pellicola del 2017 del regista messicano Guillermo del Toro (che tra l’altro, ha compiuto gli anni proprio ieri!) che, dopo tanto impegno, è riuscito a portarsi a casa ben 4 oscar (miglior film, miglior scenografia, miglior regista e migliore colonna sonora), e 1 leone d’oro alla mostra di Venezia.

Titolo originale: “The shape of water”

Regia: Guillermo del Toro

Anno: 2017

Durata:123 MIN

Paese:USA

Genere: Drammatico, sci-fi, sentimentale

Trama

Ci troviamo in Baltimora, nel 1962. Eliza Esposito, la protagonista, è una donna affetta da mutismo che lavora come addetta delle pulizie in un laboratorio governativo dove, un giorno, scopre una creatura anfibia dall’aspetto quasi umano.

Tra i due presto si creerà un legame indissolubile, tanto che la donna cercherà in tutti i modi di salvarlo dallo spietato colonnello Strickland che ha il compito di vivisezionarlo per studiarne il sofisticato apparato respiratorio.

Analisi

⚠️ Presenti spoiler!⚠️

Se vi dovessi parlare di lei, la principessa muta, che potrei dirvi? Vi dovrei parlare del quando…? E’ successo tanto tempo fa durante gli ultimi giorni di regno di una Principessa delle fate… o vi dovrei parlare del posto? Una piccola città vicino alla costa,ma lontano d qualsiasi altra cosa… O forse dovrei mettervi in guardia sulla veridicità di questi fatti e sulla favola dell’amore e della perdita e del mostro che ha tentato di distruggere tutto

E’ proprio in questo modo che, del Toro, decide di aprire e presentarci il proprio film. Già dai primi minuti si può intuire che, “La forma dell’acqua”, è una pellicola diversa dai soliti drammi, per certi versi un pò strana ed estremamente complessa.

Nonostante la trama sia semplicissima, la pellicola contiene al suo interno un’infinità di significati nascosti, che possono essere colti solamente osservando più volte il film.

Il significato del titolo

Il primo lo ritroviamo nel titolo in sè, un titolo all’apparenza insignificante ma che ingloba un significato molto più sottile e puro.

L’acqua, essendo un liquido non ha forma ma assume quella di un eventuale contenitore… così come la personalità delle persone: la personalità (la normalità quotidiana) infatti non ha forma, è qualcosa che si modella col passare del tempo, basandosi sulle vicende passate. Ciò è ben visibile nella progressiva crescita psicologica e morale della protagonista.

Lo stesso discorso lo si può fare con il concetto di amore, che nel film viene manifestato sotto varie forme.

I temi trattati

Il tema principale della pellicola è la diversità, tema trattato dal regista in vari modi; partendo dalla figura di Elisa: è molto raro e complesso trovare come protagonista di un film, un personaggio muto, costretto a recitare esclusivamente tramite il linguaggio del proprio corpo. Si tratta di una figura umile e triste, “costretta” a lavorare come addetta delle pulizie per un laboratorio governativo… Un lavoro sicuramente non dignitoso in una società corrotta, omofoba, maschilista e razzista.

Eliza Esposito

Tutti temi che vengono inquadrati da del Toro: il miglior amico della protagonista (Giles) è un artista gay licenziato, Zelda, la migliore amica di Elisa è una donna di colore… Dall’altro lato troviamo il colonnelo Strickland, un uomo virtuoso, benestante, con una famiglia perfetta ma divorato dall’ambizione che, rappresentando il vertice di questa piramide sociale, è la reincarnazione del male puro, nonché di tutte queste connotazioni negative.

Infine, al di fuori della società, si colloca la figura del mostro, una figura molto particolare e dotata di molte sfaccettature.

Colonnelo Strickland

Sotto un altro punto di vista, la pellicola può essere vista come un attacco alla (vecchia) politica di Trump contro gli immigrati ma soprattutto alla frontiera fra Stati Uniti e Messico.

Un cast particolare

Sally Hawking (Eliza), dovendo interpretare un personaggio muto, ha dovuto recitare esclusivamente con il proprio corpo e nonostante la sua performance è stata più che apprezzata dal pubblico, non è riuscita a portarsi a casa la statuetta dell’Academy. Tra gli altri personaggi del cast troviamo il mitico Micheal Shannon nei panni del brutale colonnello Strickland, Doug Jones che, come al solito, ha indossato il costume del mostro; Octavia Spencer nei panni di Zelda e Richard Jenkins in quelli di Giles.

Doug Jones indossa il costume

Quasi tutti gli attori hanno recitato molto bene la propria parte ma spiccano soprattutto il mitico Micheal Shannon e la protagonista.

La toccante colonna sonora, la maniacale cura dei dettagli e le docili inquadrature

Sul lato tecnico non c’è nulla da dire: è pazzesco!

Partiamo dalla colonna sonora che mi ha veramente colpito e credo che sia il motore della pellicola messicana: Alexandre Desplat è riuscito a creare una colonna sonora drammatica e nostalgica, quasi fiabesca, che si adatta in maniera perfetta al fine stesso del film. Non a caso, il compositore, si è portato a casa una bella statuetta dell’Academy!

Colonna sonora che si abbina alla perfezione anche alle ottime inquadrature e ai docili movimenti di camera permettono di inquadrare al meglio alcuni dettagli dei personaggi ed accentuare il senso del mistero.

Sul piano scenografico non c’è nulla da dire… vi basta osservare questa immagine di un semplicissimo studio per comprendere la minuziosa cura dei dettagli.

Eccellente anche la fotografia che, grazie ai suoi toni freddi e talvolta cupi, riesce a mascherare l’idea fiabistica che si prova nei minuti iniziali ma soprattutto ad accentuare questo senso di “misterioso” che si prova per tutta la durata della pellicola. La luce molto spesso e' netta e cruda e crea in questo modo un interessante gioco di luci ed ombre.

I colori giocano un ruolo dominante… per tutta la durata della pellicola si percepisce una tonalita' verdastra, quasi melmoso, radioattivo.

In bilico tra la realta' e la fantastia

Il punto forte della pellicola è sicuramente il fatto che si trovi in bilico fra la realtà e la fantasia. Il regista infatti, è riuscito a rappresentare con grandissima delicatezza ma allo stesso tempo brutalità, una fiaba (non a caso ho osato paragonarla a “La bella e la bestia”) in chiave reale.

Vi immaginereste lo stesso film realizzato totalmente in animazione? Sicuramente non avrebbe avuto lo stesso successo in quanto, il punto forte di Del Toro, è stata la capacità di fondere elementi fantastici e reali, creando una love story innovativa, profonda e, per certi versi toccante.

Il rapporto (forzato) con il mostro

Ora però passiamo ai lati negativi … d’altronde non è tutto oro quello che luccica! In particolare mi sarebbe piaciuto capire di più sul rapporto fra il “mostro” e la protagonista in quanto, sembra nascere praticamente dal nulla. Basta un semplice sguardo per far cadere la protagonista in un amore platonico. Capite pertanto che sembra quasi una forzatura ai fini della trama stessa per far funzionare il film.

Nonostante la presenza di alcuni elementi tipici di favole e fiabe (come per esempio il narratore iniziale) che funzionano alla perfezione, talvolta vengono usati dal regista come una scusa per qualche mancanza. ⚠️

Per finire, non mi ha totalmente convinto una scena musicale, posta nei minuti finali che reputo inutile e discordante… perchè utilizzare il bianco e nero? Capisco che la scena avrebbe dovuto raffigurare i sogni della protagonista ma, non si capisce! Sembra infatti che il mostro, tramite i suoi poteri guaritivi, abbia ridato la voce ad Elisa… Chissà, forse è proprio questo quello che del Toro ha voluto comunicare?

Personalmente la reputo una scena distaccata dal contesto generale del film.

La conclusione e la morale

E ora, come concludere un film del genere? E’ proprio in questi momenti bui e indecisi che del Toro ricorre all’utilizzo della voce narrante, una scelta a dir poco perfetta! Conclusione particolare ma a mio parere molto interessante, che vede come protagonista una poesia, una poesia sussurrata da una persona innamorata centinaia di anni fa:

Incapace di percepire la tua forma, ti trovo ovunque intorno a me, la tua presenza mi riempie gli occhi con il tuo amore, il mio cuore si fa piccolo perchè tu sei ovunque.

Ma non finisce qui! La pellicola infatti nasconde un altro significato, probabilmente il più importante di tutti, quasi una morale:

Spesso i veri mostri non sono quelli che sembrano di esserlo ma le persone che ogni giorno camminano sui marciapiedi, mascherate da un bel vestito…

Citando Stephen King:

“I veri mostri sono nella realtà”.

Considerazioni finali

La forma dell’Acqua è un film molto particolare, una love-story in bilico fra la realtà e la fantasia che cerca di scavare nel profondo dello spettatore per farlo riflettere su tematiche spesso dimenticate.

La casa di carta 5: Recensione a caldo

Sat, 04 Sep 2021 04:10:11 +0000

Siamo in rotta di arrivo per una di quelle serie che la si ama o la si odia, una di quelle serie che quando la si guarda, non si riesce a non ripensare agli episodi del passato e del perche' alcune maledette scelte sono state fatte.

D’altronde si sa, quando qualcosa viene bene al primo tentativo, difficilmente accadrà lo stesso al secondo. Un esempio che calza alla perfezione per quanto riguarda “Honey Heist“… forse sto un po’ esagerando ma era il modo migliore per rendere l’idea.

Analisi

Dove eravamo rimasti?

La casa di carta sta per chiudere i battenti con la quinta e ultima stagione che sarà divisa in 2 capitoli da Netfix.

I primi episodi riprendono le vicende del “Piano Parigi“, illustrato nell’episodio conclusivo della quarta stagione…

La banda si trova ancora chiusa nella Banca di Spagna: Nairobi è stata uccisa da Gandìa, Lisbona ha raggiunto i compagni e la tana del Professore è stata scoperta dalla temibile Alicia Sierra.

Non esistono grandi battaglie senza grandi avversari

La banda si ritrova con le spalle al muro e senza una vera guida… come dei topi in trappola, non possono far altro che mordere, nell’attesa che il professore ritorni in campo per salvare la situazione.

Cosa funziona

Devo ammettere di non essere rimasto totalmente deluso da quest’ultima stagione nonostante stessi iniziando a considerare la serie di Alex Pina, l’inizio di una soap-opera senza futuro. Seppure il visibile calo qualitativo rispetto alle prime stagioni, la serie ha mantenuto un ritmo mediocre.

D’altronde era proprio questa l’idea che ci mi aveva dato la 4 stagione: un’accozzaglia di idee poco strutturate e non finalizzate con inserimenti inutili ai fini della trama ma utili solamente per allungare il brodo (un classico).

Un tocco malinconico

Non che questa nuova stagione sia perfetta ma, i miglioramenti nei confronti della stagione precedente sono abbastanza visibili. A differenza delle altre stagioni, durante la visione del primo episodio si può respirare una sorta di malinconia, una sensazione che vi farà chiedere “Questa è la casa di carta?”. Sensazione che personalmente apprezzo in quanto riesce a diversificarsi all’interno di una stagione frenetica ed adrenalinica. Una nuova aria insomma.

Basta però passare al secondo episodio e continuare con la visione per riambientarsi velocemente. Spari, esplosioni, proiettili vaganti, flash, granate… siamo sicuri non sia un film di Micheal Bay?

A parte gli scherzi, questa quinta stagione cerca di fondere gli elementi principali delle stagioni iniziali con l’accozzaglia della 4… ottenendo in questo modo un prodotto godibile ma con dei “ma”.

Le “gag” in stile Professore, lasciano posto a scene più mature e frenetiche, quasi in stile “Attacco al potere”. L’azione è infatti la chiave di questa nuova stagione e di fatto, tali scene, hanno subito un bel level-up rispetto al passato. Le sparatorie sono più interessanti e meno “casuali” (ricordando la scena di Garcia invincibile nella 4 stagione), più frenetiche ma allo stesso tempo chiare e comprensibili.

Questa non è più una rapina, è una guerra

Tutto sta andando alla deriva

Il vero obiettivo del colpo passa in secondo piano per sottolineare il fatto che tutto sta andando alla deriva, come una nave che ha perso il proprio timone.

La presa di potere delle tre donne, seppure un pò alla Dorothy, ha per un momento lasciato trasparire un futuro alternativo e non monotono. Il personaggio di Lisbona continua ad assumere particolari e piacevoli sfaccettature da “Lady Prof“.

Il ritmo si mantiene per tutti e 5 gli episodi molto alto e incalzante -oserei dire al limite del confusionario- e si articola, come al solito, come un grande climax di emozioni.

I movimenti di camera sembrano essere più morbidi e più focalizzati sui dettagli.

Ma il vero punto di forza, sono i personaggi che continuano ad accumulare carisma e personalità, riuscendo a creare un legame sempre più forte con lo spettatore. Anche nuovi personaggi come Sagasta e la sua banda vengono introdotti in maniera ottimale e senza troppi fronzoli… forse con qualche inquadratura un pò troppo alla Baywatch.

Non mancano gli immancabili colpi di scena che, volendo o meno, costringono a proseguire la visione e piccoli momenti “vuoti” necessari a spezzare l’energia dei vari episodi.

Cosa non funziona

Arturito, Arturito… Cosa combini Arturito?

I principali difetti della serie sono riscontrabili soprattutto a livello di sceneggiatura: vi sono imprecisioni a livello di trama (vedi Gandìa ferito), incoerenze temporali (vedi malattia di Berlino), banalità lasciate al caso (vedi Arturito versione Rambo)… e poi arrivano i mitici flashback. Peccato che il 70% sia praticamente inutile!

Arturito versione "Rambo"

Il redivivo Berlino è più vivo dei veri vivi e pare abbia più importanza dei veri protagonisti, tanto che, riassumendo tutti i flashback, non basterebbe un intero episodio per raggrupparli.

Flashback per tutti

Compare un nuovo personaggio, Rafael che miracolosamente viene presentato come il figlio di Berlino, quasi come se si trattasse di uno spin-off inserito nella serie stessa. Probabilmente si tratta di una timeline che verrà sviluppata in seguito (quando?) ma personalmente non vedo futuro (anche perchè siamo agli sgoccioli… che senso ha aprire una nuova timeline?).

"Rafael" e "Berlino"

Viene aperta una nuova parentesi sul passato di Tokyo che, seppure risulti insensata nel momento in cui viene presentata, fornisce qualche informazione in più sull’origine del suo alias, quasi come se si volesse fare una previsione sul suo futuro (che senso ha approfondire solamente il suo alias?). Insensato è l’utilizzo della maschera (identica) di Ken Kaneki di Tokyo Ghoul…

Il solito tira e molla

Insomma, si tratta della stessa identica formula che ha tirato avanti la baracca fin dagli albori e che oramai ha stancato (forse non per tutti ma la soglia è vicina). Il solito tira e molla che pur godendo di un ottimo livello di godibilità, non riesce a fare quel passo in più… eppure sarebbe bastato veramente poco!

Detta in maniera stringata, la prima parte di questa 5 stagione si presenta come la versione migliorata dalla 4: più adrenalinica ma comprensibile e con meno buchi di trama.

Tirando le somme

Tirando le somme, La casa di carta è una di quelle serie che va vista senza pretese… senza aspettarsi raffinatezze e razionalità, una serie da vedere a tempo morto, una serie da binge-watching.

La prima parte della 5 stagione de “La casa di Carta” si presenta, a differenza della precedente, più bilanciata e contestualizzata, più adrenalinica ed emotiva. Non mancano però, errori di scrittura che anche un occhio meno vigile non esiterebbe a cogliere.

Il Processo ai Chicago 7: un "neo-biopic" contemporaneo [RECENSIONE]

Tue, 23 Mar 2021 04:10:11 +0000

Vincitore del Golden Globe 2021 nella categoria “Miglior Sceneggiatura” e in corsa agli Oscar 2021 con ben 6 nomination, “Il processo ai Chicago 7” -The Trial of the Chicago 7- è un film che ha fatto discutere molto ultimamente e che sicuramente continuerà a farlo. Confezionato magistralmente sotto ogni singolo punto di vista, il nuovo gioiellino di Aaron Sorkin si presenta in tutto e per tutto, un favorito alla 93-esima edizione degli Oscar. Chissà cosa accadrà il 25 aprile!

Titolo originale: The Trial of the Chicago 7

Regia: Aaron Sorkin

Anno: 2020

Durata:129 MIN

Paese:USA

Genere: Animazione, avventura, fantasy, famiglia

Trama e Storia

Nel 1968, un gruppo di attivisti composto da 7 membri , venne accusato dal governo federale di cospirazione contro gli Stati Uniti e di aver causato delle rivolte nella Convention dei Democratici a Chicago. La manifestazione era indirizzata alla politica bellica intrapresa dal presidente Nixon nella guerra in Vietnam: tutti volevano andare a Chicago per fermare la guerra.

Ben presto, quella che doveva essere una semplice manifestazione pacifica, si trasforma in uno scontro armato con la polizia che, oltre a causare innumerevoli morti, vede protagonista l’arresto e l’incriminazione per cospirazione ed incitamento alla sommossa dei 7 (inizialmente 8): Abbie Hoffman, Jerry Rubin, Tom Hayden, Rennie Davis, David Dellinger, Lee Weiner, John Froines e Bobby Seale, il leader delle Pantere Nere.

“I giornali ci chiamano i Chicago 7 ma qui siamo in 8!”

Tutti gli imputati, tranne Bobby Seal, al quale viene negato il diritto di difesa da parte del giudice Julius Hoffman, vengono rappresentati dagli avvocati Kunstler e Weinglass. Fin da subito il giudice Hoffman mostra un pregiudizio sfavorevole nei confronti degli imputati i quali vengono accusati più volte per oltraggio alla corte. Al processo vengono chiamati a testimoniare numerosi agenti di polizia ed agenti dell’FBI sotto copertura ma soprattutto Ramsey Clarke, il procuratore generale degli Stati Uniti durante la presidenza di Lyndon B. Johnson. Nonostante le varie testimonianze, quel processo era già stato deciso in partenza: i 7 vengono arrestati con l’accusa di cospirazione.

“Credo che le istituzioni della nostra democrazia siano straordinarie, ma che in questo momento siano in mano a persone orribili”.

Analisi

Un “neo-biopic” contemporaneo

Ancora una volta Sorkin si è rivelato un fuoriclasse della scrittura aggiudicandosi molti altri premi per altre celebri pellicole fra cui spiccano sicuramente “The Social Network” e “Steve Jobs“, un ottimo regista ma anche un cultore del genere biopic (che definirei più un neo-biopic).

Effettivamente c’è ben poco da dire sulla sua pellicola: narra di una storia vera ed utilizza la chiave comica con grande disinvoltura per accentuare, estremizzare, enfatizzare determinati passaggi che altrimenti sarebbero risultati fin troppo noiosi. Solitamente è proprio questo il neo dei film biografici: a lungo andare stancano.

Aaron Sorking

Non è però il caso di Sorkin che è riuscito a tirar fuori una pellicola “dinamica“, grazie anche all’implementazione di vecchie scene che vanno ad inquadrare la vera protesta del ’68, fluida ma senza mai tralasciare quella sensibilità che determina “Il processo ai Chicago 7” per tutti i suoi 129 minuti. Non a caso è impossibile scollare lo sguardo dallo schermo!🙂

Dinamicità resa possibile anche dall’alternanza del processo in aula e l’evolversi delle rivolte, nonchè dell’eccellente montaggio di Alan Baumgarten.

E’ proprio questa la forza del nuovo capolavoro targato Netflix: un bel passo in avanti per la piattaforma si streaming più famosa al mondo.

Un cast eccezionale e la giusta dose di comicità

A contribuire a tutto ciò, è stato senza ombra di dubbio l’eccellente performance di Sacha Baron Cohen (noto soprattutto per “Borat”) che è riuscito a dosare alla perfezione il giusto quantitativo di ironia, rendendo l’ultimo arrivato in casa Sorkin, un vero e proprio “must watch“.

Non di minore importanza sono state le ottime interpretazioni di Jeremy Strong (Jerry Rubin), Mark Rylance che ha incarnato alla perfezione il ruolo dell’avvocato William Kunstler (e che già avevamo potuto apprezzare in Dunkirk di Nolan), Yahya Abdul-Mateen II (Bobby Seal), Frank Langella nei panni dell’odioso giudice Julius Hoffman, e per finire un fantastico Joseph Gordon-Levitt (Richard Schultz) di cui spicca sicuramente l’evoluzione psicologica.

Un pò più timido e distaccato (almeno nei minuti iniziali) si è dimostrato invece, Eddie Redmayne nei panni del celebre attivista Tom Hayden ma comunque adatto al ruolo.

Proprio per questo motivo ho voluto definire (osando) “Il processo ai Chicago 7” una sorta di “neo-biopic“, un film biografico (per quanto possa essere definito così) che trae spunto da altri generi quali “drama” e “thriller” per parlare con una certa disinvoltura, del più celebre processo “politico” (così viene definito più volte dai protagonisti) della storia.

“Sequenze mute”

In gran contrasto con le sue pellicole precedenti, Sorkin questa volta ha preferito dare meno spazio ai suoi magnifici dialoghi (di cui è un vero maestro) per dare maggiore importanza a delle sequenze pressoché mute ma da una sensibilità unica, scene che riescano a raggiungere e colpire lo spettatore nel diretto, immagini che riescano a parlare senza l’ausilio di un ulteriore “supporto” (i dialoghi per l’appunto).

Non a caso, nella pellicola sono state inserite delle reali scene del ’68 che rendono “Il processo ai Chicago 7” un film più contemporaneo che mai, un film che cerca di creare un ponte fra il passato e il presente e che si articola come una pellicola “Per non dimenticare“…

Per tutta la sua durata infatti, prevale sempre una nota drammatica e una leggera, ma percepibile, tensione che donano al gioiellino di Sorkin una grande umanità. Gli apici di ciò sono riscontrabili sicuramente nell’atto in cui Bob Seal viene legato ed imbavagliato su ordine del detestabile giudice Hoffman; ma soprattutto nel memorabile finale che vede come personaggio chiave Tom Hayden

Considerazioni finali

Tirando le somme, “Il Processo ai Chicago 7” (The Trial of the Chicago 7) è uno dei migliori film della stagione cinematografica nonchè uno fra i favoriti agli Oscar 2021. Aaron Sorkin è riuscito per l’ennesima volta a colpire il pubblico nonostante il “genere leggermente diverso dai suoi standard”, confezionando una fantastica e memorabile pellicola, perfetta sotto ogni singolo punto di vista.

Un film da NON PERDERE ASSOLUTAMENTE insomma!

Buona visione!!

Riverdale: Considerazioni sulle prime 3 stagioni (con spoiler)

Wed, 23 Dec 2020 04:10:11 +0000

Riverdale è teen drama statunitense, basato sui fumetti della “Archie comics“. E’ stata prodotta a partire dal 2017 e ora conta 4 stagioni di cui la 4 è disponibile solamente in lingua originale. Le prime 3 sono presenti su Netflix. La serie è ambientata nella piccola cittadina di Riverdale, una cittadina apparentemente tranquilla, dove prevalgono gioia e armonia, ma che sotto sotto nasconde inquietanti segreti. I protagonisti sono 4 adolescenti: Archie (KJ Apa), Veronica (Camila Mendes) , Betty (Lili Reinhart) e Jughead (Cole Sprouse), che cercheranno di scoprire i misteri della loro città.

Stagione 1

L’intera 1 stagione di Riverdale, ruota attorno alla morte di un ragazzo chiamato Jason Blossom, apparentemente morto per annegamento nello Sweetwater River. I 4 protagonisti, non credendo a questa versione dei fatti, decidono di intervenire per far luce sul mistero.

La 1 stagione è stata quella che mi è piaciuta di più per il semplice fatto che è composta da meno episodi quindi la storia scorre più fluida… sono presenti meno sottotrame che non distolgono l’attenzione dai protagonisti. Le poche presenti sono gestite molto bene e servono esclusivamente per inquadrare alcuni dettagli dei personaggi secondari come Alice Cooper e FP Jones.

Una caratteristica di Riverdale è infatti, la presenza di un bel colpo di scena alla fine di ogni stagione che obbliga lo spettatore a guardare quella successiva. Già dalla 1 stagione possiamo dire qualcosa dei personaggi secondari che sono caratterizzati abbastanza bene. Fantastica è la presenza di un narratore interno (Jughead) che rende più dinamica la serie.

Stagione 2

Nella 2 stagione, l’antagonista principale che è Black Hood, un uomo mascherato che ben presto diventerà un serial killer e ne combinerà di tutti i colori. Anche in questo caso interverranno i nostri protagonisti e cercheranno di risolvere il mistero.

La 2 stagione è quella che mi è piaciuta meno perché è formata da troppi episodi: ci sono troppe sottotrame che spesso cadono nella banalità, distogliendo l’attenzione dalle faccende principali. In particolare ne emerge una altamente inutile, messa lì soltanto per allungare il brodo.

Sto parlando della comparsa di Chic, un personaggio praticamente inutile e senza senso… si può notare infatti, che appena la figura di chic scompare, l’attenzione torna nuovamente sui 2 antagonisti principali. Credo che il problema principale di questa stagione sia il numero di sottotrame che distolgono troppo l’attenzione dalla trama principale.

Stagione 3

Per quanto riguarda la 3 stagione, il personaggio principale è “Re Gargoyle”. Personalmente mi ha colpito molto questo personaggio, sia per come è stato caratterizzato che per come è stato strutturato. Si tratta di un personaggio “uscito” da un gioco di società chiamato “Gryphons & Gargoyles” che è veramente qualcosa di assurdo.

Può sembrare qualcosa di estremo, fantastico e surreale ma personalmente mi piace molto quel tocco di dark/horror che ha portato.

La trama della 3 stagione è una delle migliori… o almeno fino al 15 episodio, poi c’è un calo evidente: le vicende iniziano ad infittirsi troppo fino a cadere nel banale, nello stupido. Per esempio:

è impensabile che Archie, dopo tutto quello che ha subito da parte di Hiram, torni dalla sua parte. Considerando anche il fatto che Hiram ha provato ad ucciderlo più di una volta. L’unico pretesto per tornare nel boss della malavita sembra essere una palestra.

Sinceramente anche il finale mi è sembrato un po banale, sia chi si cela dietro la maschera di re gargoyle, che il fatto dell’FBI e Chic…

Molto interessante e (soprattutto) inquietante è stato il plot-twist finale.

Fortunatamente in questa stagione, le sottotrame sono poche e “offuscate” da una di uno spessore maggiore che è quella legata alla fattoria, una sorta di setta segreta con l’apparente compito di aiutare le persone. Davvero bello è stato il flashback narrato dagli adolescenti nei panni dei loro genitori… fantastico! In questo caso la scelta dell’inserimento di questo flashback risulta essere in linea con la trama stessa: serve infatti a chiarire alcuni dettagli riguardo al gioco “Gryphons & Gargoyles”.

Non mi ha colpito invece un intero episodio in stile musical… un episodio interamente cantato. Avrei potuto capire a apprezzare questa scelta se fosse stata utile per la storia stessa ma purtroppo si tratta di un episodio praticamente inutile… Si poteva benissimo inserire qualche clip cantata (come è successo anche per gli episodi precedenti) ma non 50 minuti!

Considerazioni finali

Il problema principale di questa serie è la mancanza di realismo: nonostante alcuni personaggi siano consapevoli di alcune faccende, si comportano in maniera del tutto naturale…. un po’ stereotipati. Un esempio è il rapporto fra Veronica e suo padre: nonostante la figlia sappia tutti gli atti criminali commessi dal padre, rimane sempre impassibile nei suoi confronti… Nonostante il padre abbia provato ad uccidere il fidanzato, Veronica rimane la stessa… quasi come non fosse successo nulla. Da questo è ben evidente anche un’altro fattore da non sottovalutare: il menefreghismo.

Credo che questa scelta sia direttamente collegata alla città stessa, una città dominata perennemente dal caos e dal mistero. Si tratta (probabilmente) di un inserimento al fine di mettere in luce le problematiche di quest’ultima. Personalmente lo reputo un punto negativo in quanto fa sembrare gli attori troppo rigidi andando così ad annullare quel rapporto che si crea fra attore e spettatore… Sembra quasi che gli attori siano lì solo per recitare la propria parte.

Della serie, mi è piaciuto molto il fatto che è presente un narratore interno: Jughhed Jones, interpretato magnificamente da Cole Sprouse, conosciuto soprattutto per “Zack e Cody al Grand Hotel”…

Ottima la fotografia dominata da quest’atmosfera cupa, costituita da ombre molto chiuse e neri netti, ai quali si contrappongono delle fantastiche scritte neon che creano un contrasto non indifferente. Un’atmosfera che si presta molto bene anche al cinema horror di cui si può percepire qualche minimo accenno nella 3 stagione.

Anche i personaggi sono caratterizzati abbastanza bene: sappiamo molte cose sia sui protagonisti che su quelli secondari, già dalla 1 stagione. Concludendo, se siete appassionati di Teen Drama e di gialli/misteri , Riverdale è la serie Tv che fa per voi!

La regina degli scacchi: una miniserie perfetta!? [RECENSIONE]

Tue, 24 Nov 2020 04:10:11 +0000

Oggi parleremo di una nuova serie, classificata come l’esclusiva Netflix con sceneggiatura non originale più vista, che sta dominando la Top 10 ormai da diverse settimane.

Sto parlando de “La regina degli scacchi”, una miniserie di Scott Frank e Allan Scott, che si ispira ai racconti dell’omonimo romanzo di Walter Tevis. La serie è stata distribuita il 23 ottobre sulla piattaforma di Netflix, e il 28 è diventata la serie più vista del giorno, conquistando successivamente altri primati della piattaforma.

La serie esplora la vita di Beth Harmon, bambina orfana, che in seguito alla sua permanenza in un orfanotrofio femminile, scopre il suo talento per gli scacchi. Ci viene mostrata la sua vita dall’età di 8 ai 21 anni, raccontando la sua evoluzione nel mondo del gioco degli scacchi affiancata dalla lotta contro la dipendenza da psicofarmaci e alcool.

Ho molte note positive da proporvi riguardo la serie. La caratteristica principale che più mi ha colpito, è l’ottima narrazione e la precisione nei minimi dettagli, che rende il tutto molto godibile e interessante. Alle riprese hanno preso parte in ruolo di consulenti: l’allenatore di scacchi Bruce Pandolfini e il campione mondiale Garry Kasparov, in modo da avere un punto di riferimento e un aiuto da veri professionisti, rendendo il tutto molto realistico; e devo dire che ci sono riusciti alla grande!!

Altro punto di forza secondo me è l’ottima distribuzione del tempo all’interno degli episodi, infatti sono riusciti a narrare una storia molto complessa e articolata in soli 7 puntate di circa 1h. Ma la cosa fantastica è che l’hanno fatto in modo sublime, facendo attenzione ai dettagli e raccontando il tutto in modo veloce e frenetico, rendendo emozionante anche un gioco come gli scacchi, che spesso può risultare noioso.

Ottima l’interpretazione della protagonista da parte di Anya Taylor-Joy, ma anche i personaggi secondari, sono caratterizzati molto bene, nonostante appaiano in schermo poche volte. Una cosa che mi ha fatto impazzire sono state alcune transizioni utilizzate in particolari scene, che potrebbero a volte anche non essere notate, ma apprezzate sicuramente da un occhio più attento.

Io personalmente ho iniziato la serie perché mi è stata consigliata, ma mai avrei immaginato di rimanere così colpito, l’ho letteralmente divorata, finendola in una giornata. E tantomeno avrei pensato che il mondo degli scacchi potesse essere così bello e allo stesso tempo complicato. Ci sono lunghe scene in cui vengono mostrate semplicemente delle partite di scacchi, ma sono raccontate in un modo tale da tenerti sul filo del rasoio per tutta la durata. Ma la cosa più bella a mio parere, rimane il finale, caratterizzato da una lunga sequenza di una partita che mi ha dato molte più emozioni di quante me ne potesse dare un film di azione ad esempio.

Spero che con questa breve recensione abbia catturato la vostra curiosità, e vi invito a vedere “La regina degli scacchi”, in modo che possiate appassionarvi come è accaduto a me.

Enola Holmes: un giallo coming of age [RECENSIONE]

Fri, 25 Sep 2020 04:10:11 +0000

Ieri, 23 settembre 2020, è approdato su Netflix “Enola Holmes“, una sorta di spin-off della celebre saga letteraria di Conan Doyle che vede come protagonista la mitica Millie Bobby Brown. La pellicola di Harry Bradbeer, conosciuto soprattutto per “Fleabag”, si basa sulla serie di romanzi: ” The Enola Holmes Mysteries” di Nancy Springer, scrittrice di gialli e sci-fi per ragazzi che ha conseguito vari premi letterali come il James Tiptree Jr. e l’Edgar Award.

Trama

Enola, sorella di Sherlock e Mycroft Holmes, è una ragazzina ribelle e solitaria, educata dalla madre Eudoria – in modo molto discostante dai canoni post ottocenteschi-, nelle varie discipline umanistiche (e non solo) fin dalla nascita.

Titolo originale: Enola Holmes

Regia: Harry Breadbeer

Anno: 2020

Durata: 123m

Genere: Giallo, Drammatico

Cast: Millie Bobby Brown, Henry Cavill, Sam Clafin, Helena Bonham Carter…

Paese: UK

Il giorno del suo 16 compleanno, la madre Eudoria scompare e subentrano i fratelli Sherlock e Mycroft per occuparsi della sorella che non vedono ormai da anni. Mycroft, il fratello più conservatore vuole far istruire la sorella, secondo i canoni dell’epoca, in un college apposito; Sherlock invece si occupa del ritrovamento della madre.

Enola, dopo aver trovato alcuni indizi lasciategli da Eudoria, riesce a sfuggire all’educatrice e partire per Londra.

Analisi

Enola non tanto Holmes

Partiamo con il presupposto che Enola Holmes è soltanto una rivisitazione del celebre giallo di Conan Doyle e, una trasposizione cinematografica del primo romanzo della Springer.

Già questo basterebbe per far storcere il naso agli appassionati in quanto la realtà inquadrata dalla pellicola è molto differente da quella descritta dallo scrittore inglese e da quella rappresentata in trasposizioni più fedeli. Di fatto il protagonista, Enola, non è mai esistito (in molti la scambiano per Eurus Holmes nell’omonima serie della BBC…. ma, effettivamente nei romanzi non esiste nè la figura di Enola nè quella di Eurus) e questo è visto dagli appassionati del genere come una rivisitazione del protagonista in chiave femminile (si, la femminilità e i diritti delle donne sono fra i temi principali della pellicola di Netflix) o addirittura una sorta di plagio all’opera principale che usa il nome di “Sherlock Holmes” in funzione di marketing.

Effettivamente il cognome “Holmes” poteva benissimo non essere usato e ricreare praticamente da 0 una situazione simile.

Ottimo cast… ma la Brown sovrasta tutti!

Nonostante ciò Enola Holmes rimane solamente uno spin-off, un contenuto extra che si aggancia (o almeno cerca di farlo) alla figura dell’Holmes.

Tra gli attori principali troviamo sicuramente la bravissima Millie Bobby Brown, conosciuta soprattutto per il ruolo di “Eleven” in Stranger Things; Hanry Cavill (che abbiamo già visto nella recensione di “The Witcher“) , nei panni di uno Sherlock più emotivo del solito; Sam Claflin il, salva-sirene, che questa volta interpreta un Mycroft severo e odioso ed Helena Bonham Carter nei panni di Eudoria.

Nonostante il cast sia formato da personaggi di un certo calibro, l’intera pellicola ruota quasi esclusivamente attorno alla figura della Brown che, purtroppo, va a prendersi degli spazi che potevano essere tranquillamente lasciati ai personaggi secondari che quindi, presentano una minima caratterizzazione.

Lo sfondamento della 4-a parete

L’intera pellicola, essendo principalmente adatta ad adolescenti -ma anche a visioni collettive in famiglia- si articola come una fiaba, una sorta di pseudo-fiction che interrompe gli attimi tramite l’uso dello sfondamento della 4 parete (una tecnica solitamente azzardata e “irritante”, ma che funziona quasi alla perfezione in questo film), che garantisce un ritmo particolare e vivace, rende lo spettatore più partecipe delle vicende e mette ancora più in mostra l’ottima performance dell’attrice.

Ottimi anche la scenografia, i fantastici costumi e la fotografia (Giles Nuttgens) che vanno a richiamare in maniera relativamente realistica le ambientazioni e la quotidianità durante l’età elisabettiana, permettendo allo spettatore di immergersi ancora di più nelle vicende della giovane detective.

L’emotivita' non e' il punto forte

Sul piano emotivo invece? Bè, Enola Holmes, risulta un pò carente sotto il punto di vista emotivo: nonostante tratti dei temi adolescenziali come l’amore, la curiosità, l’amicizia, l’avventura manca sempre quel passo in più che avrebbe reso più interessanti le vicende (anche quel tocco di superiorità e pazzia che rendeva uniche le storie di Sherlock) della giovane detective; anche perchè sembra che la protagonista si distacchi man mano dal suo compito principale (ritrovare la mamma) per poi ritornare sui suoi passi solamente negli ultimi 20 minuti. Il tema principale rimane sempre la parità di sesso e l’importanza delle donne nella società odierna. Nonostante comprenda appieno l’importanza di questo, credo che questo tema sia stato accentuato fin troppo, introducendo elementi extra che potevano benissimo essere trascurati.

Fortunatamente, i sentimenti vengono un minimo coltivati dalla colonna sonora di Daniel Pemberton. Si tratta di una colonna sonora molto leggera e misteriosa, quasi fiabesca ma con alcuni picchi nelle scene più “malinconiche”.

Sebbene l’emotività non è il punto forte della pellicola, il film rimane godibilissimo grazie a delle note di autoironia, a vicende mai scontate ma soprattutto alla vivacità e al buonumore che la giovane attrice riesce a trasmettere grazie alla sua naturale empatia.

Un finale funzionale ma non perfetto

Il finale, pur non convincendomi al 100% (mancano alcune spiegazione e dei chiarimenti che lo avrebbero reso più sensato), mi ha colpito in quanto è la parte più umana ed emotiva dell’intera produzione e, da tale, cerca di trasmettere un messaggio molto importante: l’importanza dei ragazzi nella società futura ma soprattutto l’importanza di costruirsi una propria personalità.

D’altronde è proprio questo il significato della parola “Enola” che, letta al contrario diventa “Alone“, ovvero “sola“. Il regista però non ha voluto attribuire questo significato alla parola (anche perchè la protagonista è sempre stata in compagnia della figura materna che le ha insegnato quasi tutto il necessario per affrontare la vita)… il suo vero significato lo si deve attribuire alla parola “indipendente“, una ragazza quindi pronta ad affrontare la vita e se necessario iniziare una battaglia con le proprie mani (da sola appunto) per migliorare il mondo in vista del futuro.

Considerazioni finali

Concludendo, Enola Holmes, è una produzione valida (forse una fra le migliori made by Netflix), un film leggero e senza pretese che si adatta particolarmente a un pubblico giovanile e che riesce ad intrattenere nonostante alcune imperfezioni e dei personaggi secondari che (purtroppo) fungono solamente da cornice.

Recensione “47 metri”: il solito Shark-Movie?

Mon, 14 Sep 2020 04:10:11 +0000

“47 metri” è un film di Johannes Roberts del 2017, disponibile su Netflix e che durante quest’estate ha anche preso posto nella top 10 settimanale della piattaforma attirando l’attenzione di molti utenti.

Questo Thriller, della durata di 87 minuti, potrebbe essere l’ideale per un pomeriggio noioso o se si è alla ricerca di qualcosa di diverso… ma se state cercando un film con una trama ben strutturata e ben fatto, non fa per voi.

Trama

Dopo essere stata mollata dal suo ragazzo Lisa decide di intraprendere un viaggio in Messico insieme alla sorella, per cercare di riflettere e magari ritornare in modo diverso a casa per riconquistare il suo ex che la definiva noiosa. Dopo aver fatto amicizia con due ragazzi della zona, Lisa e Kate accettano l’offerta da parte dei due di un immersione in gabbia per ammirare gli squali da vicino. Lisa all’inizio è un po’ turbata dall’esperienza ma la sorella riesce a tranquillizarla.

Poco dopo l’immersione, il cavo che mantiene la gabbia si spezza facendole sprofondare a 47 metri di profondità in acque infestate da squali, con una riserva di ossigeno per soli 60 minuti.

Analisi

Secondo me l’idea della trama sarebbe potuta essere buona, in quanto diversa rispetto ai soliti “shark-movie”, ma è stata sviluppata male, con molti buchi e a mia detta con un ritmo troppo veloce, sorvolando la caratterizzazione di praticamente tutti i personaggi e non approfondendo più di tanto la storia delle ragazze, passando direttamente alle scene in mare. Il che sarebbe anche potuto essere un punto a favore, perché alla fine le scene che ci tengono attaccati allo schermo sono quelle di azione e di paura, ma secondo me anche quest’ultime sono state scritte male con molte scelte banali e prevedibili, facendo perdere quello che è il senso di un thriller del genere.

Considerazioni finali

Tirando le somme, il film non è del tutto pessimo, in quanto gli effetti speciali sono ben fatti e la durata non è eccessiva. Però secondo me avrebbe potuto avere del potenziale se non ci fossero stati errori banali di scrittura, che si possono facilmente notare durante la pellicola, riguardanti i movimenti dei personaggi nell’acqua che a volte sono troppo rapidi e non seguono un filo logico oppure ad esempio il contatore dell’ossigeno che viene mostrato varie volte senza portare un conto effettivo sensato, scendendo d’un tratto rapidamente oppure rimanendo sempre uguale per scene lunghissime.

Sono comunque errori che si notano durante la visione, ma che ai fini della visibilità non sono un grande problema, ma se ci soffermiamo un attimo a rifletterci notiamo che non hanno molto senso.

E’ stata anche annunciata l’uscito del sequel che ci riporterà ad affrontare i pericoli dei fondali marini, che noi ovviamente vedremo e apprezzeremo parlandone con voi.

Spero che con questa breve introduzione abbia catturato la vostra curiosità, e vi invito a vedere il film , in modo che possiate dare anche voi la vostra opinione, in quanto questo è comunque un mio parere personale.

INTERSTELLAR: uno sci-fi che fa leva sui sentimenti! [RECENSIONE]

Tue, 07 Jul 2020 04:10:11 +0000

Titolo originale: Interstellar

Regia: Christopher Nolan

Anno: 2014

Durata:169 MIN

Paese: USA, UK

Genere: sci-fi, drammatico

Trama

In un remoto e parallelo XXI secolo, il pianeta terra sta diventando invivibile a causa dei cambiamenti climatici che hanno ridotto l’ossigeno presente. L’unica coltura che riesce ancora a crescere è il granturco. L’unico modo per far sopravvivere la razza umana è quello di cercare un nuovo pianeta abitabile. Così, Cooper -il protagonista-, un ex ingegnere e pilota della NASA, insieme al resto dell’equipaggio dell’Endurance parte alla ricerca di un pianeta simile a quello terrestre.

Analisi

Un cast piu' che soddisfacente

Per questa recensione voglio partire dal cast in cui compare la figura di Matthew McConaughey, famoso per il ruolo di Rustin Cohle in True detective e per Mark Hanna in “The Wolf of Wall Street”; Anne Hathaway (Amelia Brand) che ha già debuttato in “Il cavaliere oscuro – Il ritorno”; Jessica Chastain che interpreta la futura Murphy; il mitico Michael Caine, comparso già in Inception (clicca qui se vuoi leggere la recensione) che in questo caso raffigura il professor Brand; Timothée Chalamet (Tom) che abbiamo già visto nella recensione de “Il Re” (la trovi qui); Mackenzie Foy (la piccola Murphy) famosa per il ruolo di Renesmee Cullen in Twilight ed infine non possiamo dimenticarci del mitico e simpatico TARS, il robottino che ha accompagnato gli astronauti per tutto (quasi tutto) il viaggio interstellare che è a tutti gli effetti un personaggio di Interstellar e non un qualcosa di extra, un qualcosa di sacrificabile.

TARS

E’ proprio la figura di TARS a creare una sorta di collegamento (proprio come una sorta di wormhole per rimanere in tema) tra il futuro apparentemente distopico e il passato: nonostante il futuro sia protagonista di un evoluzione tecnologica senza pari, sembra essere ancora collegato in qualche modo al passato sulla Terra. Effettivamente il nuovo mondo descritto in Interstellar su un possibile esopianeta appare molto simile a quello terrestre (se non quasi identico): vengono inquadrati alcuni ragazzi giocare a baseball, semplici ospedali, normalissime abitazioni… Christopher Nolan quindi ha cercato di discostarsi il più possibile da quel futuro distopico, dominato da mondi totalmente meccanizzati dove le auto sono state ormai sostitute da super navicelle, gli spazi verdi non esistono più e la razza umana è oramai “sottomessa” dalle macchine da lei stessa create.

Come per le pellicole precedenti, si tratta di un cast completo e super valido (lo si poteva immaginare). Su per giù la performance di quasi tutti gli attori è stata più che soddisfacente ma di sicuro spicca la -a tratti drammatica- figura di Matthew McConaughey (Cooper).

Il lato sentimentale

Di fatto, Interstellar, è uno sci-fi drammatico che pone le sue radici in una sottotrama sottile ma indistruttibile: l’amore tra padre e figlio; per poi proseguire verso l’alto, verso la trama principale: il salvataggio della razza umana. E’ proprio questa sottotrama che, secondo me, ha reso Interstellar una produzione così reale, così umana ma soprattutto memorabile!

Una volta che si diventa genitori, non si è altro che il fantasma del futuro dei propri figli

Caratteristica tipica la possiamo riconoscere nel carattere dei personaggi: evidentemente Nolan ha cercato di rappresentare i vari personaggi attribuendoli temperamenti diversi e a volta contrastanti (basti pensare all’ottimismo e all’altruismo di Cooper; alla sincerità di Amelia Brand; all’egoismo del professor Brand; la presunzione e l’arroganza del dottor Mann; l’intellettualismo di Romilly….). E’ proprio questa “umanità” che contraddistingue la pellicola Nolaniana da film simili.

Cooper e Murphy

Gli intrecci temporali: una pellicola piu' reale del previsto

Naturalmente, come da consuetudine, non mancano i tipici giochi temporali, classico Nolan, che rendono sicuramente più complesso il film. Sono proprio questi giochi temporali che potrebbero far storcere il naso a qualcuno in quanto, complicano non di poco il finale, un finale emozionante e a dir poco perfetto. Complessita' che va a sommarsi alle tematiche di fisica quantistica trattate.

La quinta dimensione

Per la scrittura della sceneggiatura infatti ha partecipato anche il fisico Kip Thorne che, nel 2017, ha vinto il premio nobel per la scoperta delle onde gravitazionali. L’intento di Nolan era pertanto quello di realizzare una pellicola “il piu' reale possibile”, nonostante per certi aspetti possa non sembrarlo.

Kip Thorne

E’ innegabile dire che Nolan è riuscito a gestire quasi tutti questi intrecci temporali in una maniera sopraffina, riuscendo a trasformare ciò che in molti criticano in veri punti di forza, capaci magari di strappare qualche lacrima allo spettatore. Certamente non manco dei lati oscuri all’interno di questi intrecci temporali come la difficilissima questione dell’orologio e del codice morse che il cineasta ha voluto rappresentare.

L'orologio visto dalla quinta dimensione

Sentimenti che vengono accentuati dalle strabilianti riprese (soprattutto quelle del cosmo, realizzate in CGI), realizzate in iMAX 35 e 70mm, da un’ottima e nostalgica colonna sonora scritta dal pluripremiato Hans Zimmere da una fantastica fotografia che riprende ed accentua il tema drammatico. Poco da dire invece, per quanto riguarda gli effetti speciali (ha vinto l’oscar per miglior effetti speciali) che risultano essere affascinanti ed adeguati.

Considerazioni finali

Concludendo consiglio a tutti la visione di Interstellar -anche a coloro che non adorano il genere fantascientifico- in quanto vi posso assicurare che, grazie alla sua “umanità” ed emotività riuscirà a colpirvi e tenervi incollati allo schermo per tutti i suoi 169 minuti.

Dunkirk: un war movie particolare ma splendido [RECENSIONE]

Sun, 14 Jun 2020 04:10:11 +0000

Trama e storia

Come da titolo, il war-movie di Christopher Nolan tratta la miracolosa operazione Dynamo avvenuta tra 27 maggio e il 4 giugno del 1940 sulle coste di Dunkerque, durante la quale circa 338.226 soldati alleati vennero portati in salvo. Quando le truppe alleate, costrette ad indietreggiare fino alla Manica vennero circondate dai soldati tedeschi, l’unica possibilità di salvezza per circa 1 milione di soldati alleati era fuggire via mare verso l’Inghilterra.

Analisi

Il paradosso spazio-tempo di Christopher Nolan

L’intera operazione viene raccontata da ben 3 punti di vista differenti, ambientati in diverse linee temporali: cielo, terra e mare. In cielo -della durata di 1 ora- il protagonista è Farrier (Tom Hardy) che, a bordo del suo spitfire, cerca di abbattere gli aerei nemici; sulla terraferma -della durata di 1 settimana-troviamo il soldato Tommy e il plotone del British Army; mentre in mare -della durata di 1 giorno- il protagonista è il volontario Mr. Dawson (Mark Rylance) che, insieme a suo figlio e ad un suo amico, partono dalle coste britanniche con una piccola imbarcazione.

Non posso non citarvi l’eccellente montaggio (ha vinto l’oscar al miglior Montaggio) realizzato da Lee Smith che è riuscito a far combaciare alla perfezione le 3 linee temporali, facendo sembrare che le varie vicende siano avvenute contemporaneamente.

Nonostante sia ben esplicitata e comprensibile la linea temporale che si sta osservando, la suddivisione del tempo può creare un po’ di confusione -soprattutto all’inizio- ma, verso la fine, tutti i pezzi combaceranno come un puzzle. D’altronde Nolan è un vero maestro nel riuscire a rappresentare chiaramente situazioni relativamente complesse ed articolate.

Farrier

Una piccola nota negativa devo farla per quanto riguarda la suddivisione del tempo sulla terraferma: nonostante le vicende del soldato Tommy si svolgano nell’arco di 1 settimana, il tempo trascorso sembra molto di meno.

Un nemico invisibile

Tommy

Un particolare di questo film è il fatto che il nemico non viene mai inquadrato (a parte gli aerei della Luftwaffe), quasi come se il tempo stesso fosse il vero nemico, un nemico molto più potente degli altri. Personalmente apprezzo questa scelta stilistica in quando permette di concentrarsi al meglio sull’operazione di salvataggio (tralasciando quindi i combattimenti fra i 2 schieramenti) ma soprattutto pone la colonna sonora su un piano sovrastante.

Mr. Dawson

Colonna sonora strabiliante: emozioni facili

Di fatto è proprio la colonna sonora -realizzata da Hans Zimmer – a fare la differenza (ha vinto l’oscar al miglior sonoro e al miglior montaggio sonoro): i dialoghi molto minimali e diretti sono accompagnati da una colonna sonora da brividi, un sonoro assillante che mantiene costante quel senso di angoscia che si prova per tutta la durata di Dunkirk.

Senso che viene accentuato dall’ottima fotografia di Hoyte van Hoytema, in cui dominano colori cupi e drammatici, dalle scene claustrofobiche così come dall’utilizzo della tecnologia iMax 70 e 65 mm che permette un’immersività praticamente totale: lo spettatore sembra di trovarsi effettivamente sul campo di battaglia.

Come ho detto prima, Nolan ha preferito concentrarsi sui fatti accaduti, pertanto dei personaggi si sa veramente molto poco e quindi difficilmente ci si affeziona; anche perché i dialoghi sono veramente super minimal e talvolta sostituiti da drammatiche inquadrature.

Un cast acerbo ma funzionale

Nonostante ciò voglio darvi comunque qualche informazione riguardante il cast, composto principalmente da giovani attori: troviamo Harry Styles nei panni di Alex, Cillian Murphy, conosciuto soprattutto per il ruolo di Tommy Shelby in Peaky Blinders, Tom Hardy che interpreta Farrier, Fionn Whitehead (Tommy), Jack Lowden, Mark Rylance nei panni di Mr. Dawson…

Non nego che una caratterizzazione migliore dei personaggi avrebbe reso Dunkirk più interessante.

Per concludere questo capolavoro, non poteva mancare una scena drammatica e commovente che vede come protagonista, parte del celebre discorso – We Shall Fight on the Beaches – pronunciato da Winston Churchill il 4 giugno 1940:

«Ho, io stesso, piena fiducia che se tutti faranno il loro dovere, se nulla verrà trascurato, e se saranno prese le decisioni migliori – come sono prese – ci dimostreremo ancora una volta in grado di difendere la nostra isola, di cavalcare tempesta della guerra e di sopravvivere alla minaccia della tirannia, se necessario per anni, se necessario da soli. Ad ogni modo, questo è ciò che tenteremo di fare. Questa è la decisione del governo di Sua Maestà, all’unanimità. Questa è la volontà del Parlamento e della nazione. L’impero britannico e la Repubblica francese, uniti nella causa e nei bisogni, difenderanno fino alla morte il loro territorio natio, aiutandosi a vicenda come buoni compagni con il massimo delle forze. Anche se ampie parti dell’Europa e molti Stati antichi e famosi sono caduti o potrebbero cadere nella morsa della Gestapo e di tutto l’odioso apparato del dominio nazista, noi non desisteremo né abbandoneremo. Andremo avanti fino alla fine. Combatteremo in Francia, combatteremo sui mari e gli oceani, combatteremo con fiducia crescente e con forza crescente nell’aria, difenderemo la nostra isola a qualunque costo. Combatteremo sulle spiagge, combatteremo nei luoghi di sbarco, combatteremo nei campi e nelle strade, combatteremo sulle colline, non ci arrenderemo mai; e se, cosa che non credo neanche per un momento, quest’isola o gran parte di essa fosse soggiogata e affamata, allora il nostro impero d’oltremare, armato e guidato dalla flotta britannica, continuerà la lotta fino a quando, se Dio vorrà, il Nuovo Mondo, con tutta la sua forza e potenza, si muoverà al salvataggio e alla liberazione del vecchio.»

– Winston Churchill

Parasite: un capolavoro inaspettato [RECENSIONE]

Fri, 12 Jun 2020 04:10:11 +0000

Il 7 novembre 2019 fa la sua apparizione sul grande schermo italiano, Parasite, il capolavoro diretto da Bong Joon-ho. Dopo aver vinto la palma d’oro come miglior film al festival di Cannes, nel 2020 è stato il vincitore di ben 4 premi oscar ( su 9 ) (miglior film, miglior film in lingua straniera, miglior regia, miglior sceneggiatura originale) , oltre ad altri numerosi premi come il David di Michelangelo, Golden Globe, Cesar e Independent Spirit Awards 2020 per “Miglior film straniero”, 2 premi BAFTA, 2 Critics Choice Award 2020, SAG…

Cosa potremmo dire di questo film se non che è un vero capolavoro? Ora però facciamo un passo indietro, partendo dalla trama.

Titolo originale: “기생충, Gisaengchung”

Regia: Bong Joon-ho

Anno: 2019

Durata:132 MIN

Paese:Corea del sud

Genere:thriller, drammatico, commedia

Trama

Il protagonista di questa produzione è la famiglia Kim, una famiglia povera che si guadagna da vivere assemblando i cartoni delle pizze. Tutto ciò finché Ki-woo, il figlio maschio, non riceverà la proposta di diventare insegnante di inglese per la figlia di una famiglia ricca, i Park. Da questo momento in poi, Ki-woo ideerà di tutto e di più per cercare di porre fine alla drammatica situazione economica che infligge la sua famiglia.

Analisi

Partiamo dalla caratteristica peculiare di questa pellicola: nonostante lo stesso regista definisca la sua opera una commedia, è difficile comprendere realmente il genere cinematografico adottato in quanto, Bong Joon-ho è riuscito a fondere con una maestria rara, realtà molto discostanti fra loro. Di fatto troviamo elementi tipici della commedia, dei thriller, dei mystery, dei drammi, note di black humor così come tratti altamente grotteschi… Quindi potremmo definire Parasite come un film completo, un film a 360° bilanciato alla perfezione.

Le due facce della stessa medaglia

Altra caratteristica che sicuramente ha contribuito a rendere famosa la pellicola asiatica, attribuendole una nota di umanità, è il tema trattato : il divario sociale tra ricchi e poveri che purtroppo persiste tuttora. Un divario analizzato e studiato nei minimi dettagli che viene accentuato da due punti di vista differenti.

La famiglia Kim

Di fatto potremmo immaginare Parasite come una medaglia: da una parte troviamo la famiglia Kim, una famiglia stanca oramai di vivere in un sottoscala ma attenta alle vicende quotidiane; dall’altra parte, la famiglia Park una famiglia snoob, ipocrita e amante del lusso ma poco attenta ai dettagli della vita di tutti i giorni. La bravura del regista è stata proprio nel cercare di fondere queste due facce distinte e separate e, devo dire che ci è riuscito alla grande!

La precaria situazione dei Kim è ben descritta e rappresentata minuziosamente nei minuti iniziali, durante i quali, possiamo notare l’intera famiglia intenta ad assemblare cartoni per pizze ed in particolare Ki-woo (il figlio) e Ki-Jung (la figlia) che cercano di collegarsi al wi-fi del vicino. Dei minuti iniziali, mi hanno colpito principalmente 2 scene che permettono inquadrare al meglio la situazione economica della famiglia protagonista.

Ki-Woo e Ki-Jung cercano di collegarsi al wifi del vicino

Nella prima scena Min, il migliore amico di Ki-Woo, regala ai Kim una pietra ornamentale che inizialmente viene ben accettata dalla famiglia (soprattutto da Ki-Woo e da suo padre) ma, la scena si conclude con la frase sfacciata “Ma del cibo era meglio”. Ciò sottolinea per l’ennesima volta le condizioni della famiglia: una famiglia talmente povera da riuscire a stento a procurassi il cibo per vivere.

Nella seconda scena invece, vengono inquadrati dei disinfestatori nell’atto di spruzzare del veleno e, Ki-taek (il padre) decide di lasciare aperte le finestre affermando che una disinfestazione gratuita può far comodo.

La famiglia Park

I Park invece appaiano completamente l’opposto: vivono in un enorme villa, non si preoccupano di sprecare cibo risultando di essere pochi umani, tanto da licenziare senza alcun rimorso la donna delle pulizie che aveva lavorato in quella casa per anni; semplicemente per raggiungere il meglio, la perfezione.

Inoltre, la disparità sociale viene ripresa anche nella copertina del film dove compare la scritta “trova l’intruso”, quasi come se non si stesse parlando di persone ma, di qualcosa di inferiore.

Un mix vincente di generi e stili completamente diversi

Nei minuti successivi si entra nel vivo della trama che trova le sue fondamenta nei vari sotterfugi necessari all’ascesa sociale dei Kim. Sarà proprio grazie ad essi che l’intera famiglia povera si ritroverà a lavorare per i Park, riuscendo a guadagnare un bel po’ di soldi (come dei parassiti che riescono a sopravvivere grazie ad altri individui).

Tutto scorre liscio finché non compare un gran colpo di scena che va quasi a ribaltare l’idea che si è fatta del film nei minuti precedenti. Di fatto non si riesce a capire che tipo di film si sta guardando ma soprattutto verso che direzione voglia puntare il regista. Ciò non è assolutamente un punto negativo anzi, riuscire a “camuffare” il prosieguo in modo così raffinato è sicuramente un grande punto di forza in quanto si viene a creare l’opportunità di inserire molti colpi di scena che contribuiscono sicuramente ad aumentare quel perenne senso di “ansia” e desiderio di scoperta che si prova nei minuti finali.

Climax: scelta vincente

Ciò è accentuato soprattutto da come è stato scritto Parasite: un grande climax che si estende praticamente per l’intera durata della pellicola fino ad esplodere nel finale. Un finale amaro, inaspettato che a primo impatto potrebbe sembrare estremo (si, un po’ lo è) ma che in realtà è funzionale alla trama stessa, soprattutto a quella nota di black humor che compare circa a metà pellicola.

Con questo NON voglio affermare che il finale di Parasite è perfetto, ma credo che sia stata una scelta quasi forzata per rimanere in linea con la trama stessa (quasi come se fosse la giustificazione del black humor presente) ma soprattutto con questo climax perenne che è il vero punto di forza della pellicola coreana.

Si tratta di un climax flessibile che, adattandosi alla perfezione ai vari “generi cinematografici” presenti, alle ambientazioni, al sonoro e alla fotografia è la principale fonte di angoscia che si prova per tutta la durata del film.

Altra cosa che mi è piaciuta è la presenza di un narratore esterno che, riesce a dare una sorta di prospettiva alla pellicola. Anche la caratterizzazione dei vari personaggi è davvero ottima così come l’interpretazione di tutti gli attori: sono ben distinguibili e distinte le personalità di ognuno. La fotografia, così come il sonoro si flettono per adattarsi alla perfezione ai vari generi e stili, riuscendo a dare maggiore uniformità e successione al tutto.

Considerazioni finali

Concludendo credo che Parasite sia stato una vera rivoluzione in campo cinematografico in quanto ha dimostrato come, elementi fortemente discordanti fra loro ma soprattutto generi differenti, possano coesistere dando vita a una pellicola molto interessante, ricca di colpi di scena ma soprattutto umana. Un’opera che quindi riesce a far leva nei sentimenti dello spettatore.

Recensione “Le ragazze di Wall Street – Business is Business”

Tue, 02 Jun 2020 04:10:11 +0000

Il 7 novembre del 2019 è apparso sui grandi schermi il film scritto da Lorena Scafaria che si basa sull’articolo del 2015 The Hustlers at Scores di Jessica Pressler” del New York magazine.

Le riprese del film sono durate poco più di un anno, con un budget abbastanza basso di circa 20 milioni, il film è riuscito comunque ad avere un grande successo incassandone più di 100.

Questo suo successo è sicuramente dovuto alla presenza di personaggi non indifferenti, tra le varie stelle hanno partecipato alla produzione: Jennifer Lopez, Costance Wu, Cardi B., Lili Reinhart e molte altre attrici che con una grande preparazione e la loro straordinaria presenza e personalità hanno tenuto uomini e donne a bocca aperta per tutta la durata del film.

Sui social si è visto e discusso molto soprattutto del lungo allenamento della 49enne J. Lo che per far parte del cast ha dovuto imparare l’arte della pole dance, mostrando poi le sue incredibili capacità con esibizioni a dir poco mozzafiato.

Il film è narrato da una delle protagoniste, Dorothy (interpretata da Costance Wu), la quale concede un’intervista ad una giornalista dove racconta del suo passato. Quindi è proprio lei a narrarci man mano quello che vedremo nella pellicola.

Dorothy per poter mantenere economicamente la nonna, lavora al Moves, uno strip club, usando il nome d’arte di Destiny.

Nel corso della sua carriera, stringe molte amicizie, che la aiutano anche a migliorare per poter guadagnare di più, in particolare crea un grande legame con la migliore del settore, ovvero Ramona ( Jennifer Lopez).

Durante i primi anni, i soldi non mancano, e si guadagna dignitosamente, ma dopo il crollo di Wall Street del 2008, il loro vecchio lavoro non paga più come un tempo, ed abituate ad un certo tenore di vita e con famiglie da portare avanti, sono costrette ad ingegnarsi per portare più soldi a casa.

Ramona riunisce una squadra formata dalle migliori delle sue ex colleghe, e grazie ad un piano ideato dalla stessa J. Lo. riescono a guadagnare molti più soldi di prima, drogando vecchi clienti fidati dopo un primo incontro, e successivamente svuotano la loro carta di credito, ricaricandola subito dopo, senza che se ne accorgano.

Quindi rubano effettivamente dei soldi, ma senza fare del male a nessuno, in quanto le persone prese di mira, non hanno effettivamente problemi economici. Effettuano delle vere e proprie rapine ma senza armi e passamontagna, utilizzando unicamente la seduzione e la forza femminile.

A mio parere, la trama del film è stata una grande idea, ovviamente incentrata a sottolineare le conseguenze della crisi del 2008, mostrando come questa avesse rallentato anche un settore particolare come quello delle spogliarelliste.

Il film è ottimo, l’ora e 44 minuti della pellicola scorre molto bene, senza annoiare e spronando a vederlo fino alla fine. Questo è anche dovuto allo stile utilizzato, ovvero partendo da una dichiarazione fatta anni dopo, quindi dalla fine, ripercorrendo poi tutto quello che è accaduto con vari Flashback.

Niente da dire sulle interpretazioni delle varie attrici, le quali hanno fatto rimanere a bocca aperta il pubblico di ogni genere, con esibizioni fantastiche, date da un duro lavoro. Tutti i vari personaggi sono.

Recensione “Contagion”: la previsione di Soderbergh sul covid-19!?

Thu, 14 May 2020 04:10:11 +0000

Il film Contagion è riapparso sugli schermi dopo 9 anni dalla sua uscita, con un successo molto più grande rispetto al lontano 2011, a causa delle molte analogie con l’attuale pandemia mondiale Covid-19.

Molti lo vedono come una sorta di previsione cinematografica di Steven Soderbergh, che risulta incredibile da un certo punto di vista, ma anche molto spaventosa.

A parte l’attuale successo, io credo sia un gran film, con attori anche di un certo calibro, come: Matt Damon, Laurence Fishburne, Jude Law, Gwyneth Paltrow e Bryan Cranston.

Il film è apparso nelle sale cinematografiche il 9 settembre 2011.

Per renderlo il più reale possibile, Steven si è attenuto al parere di molti scienziati ed ha anche collaborato con il CDC (centri per la prevenzione e il controllo delle malattie).

TRAMA

La trama del film fu definita quasi “Fantascientifica” all’uscita del film: c’era la consapevolezza che un giorno sarebbe potuto effettivamente accadere, ma nessuno a quei tempi avrebbe mai immaginato che saremmo stati noi a doverla realmente affrontare.

Il film inizia con Beth Emhoff, interpretata da Gwyneth Paltrow che, dopo essere tornata da un viaggio ad Hong Kong, si sente male per vari giorni e viene successivamente trasportata d’urgenza in ospedale dove però non c’è più nulla da fare. All’inizio viene dichiarata morta a causa di una malattia sconosciuta, ma poco dopo, grazie a delle ricerche effettuate dal CDC, viene definita il paziente 0 della malattia chiamata MEV-1.

All’inizio, come è accaduto nella realtà, il virus viene sottovalutato, ma vista poi la velocità di trasmissione, a causa del contatto delle superfici contaminate dal virus con le mucose (occhi, naso, bocca), si decide di trattarlo con un livello di biosicurezza 4.

ANALISI

Analogie con “covid-19”

A mio parere è stato molto importante trasmettere questo film in Tv e mostrare a tutti quello che praticamente già si sapeva da anni, mi spiego meglio…

Credo che questo film debba far riflettere e non bisogna interpretarlo in modo sbagliato, questo perché quello che vediamo non è esattamente come quello che stiamo vivendo o che vivremo. Fortunatamente la percentuale di mortalità del COVID-19 è molto più bassa rispetto a quella del MEV-1, e anche la diffusione credo sia più rapida nel film.

Ma la cosa che deve far riflettere, è che molto tempo fa si era già a conoscenza di quello che sarebbe potuto accadere, e nel film ci vengono mostrati anche molti degli errori fatti dallo stato e dagli esperti specializzati nello studio della malattia, e nonostante ciò, molti paesi non si sono preparati ad affrontare un eventuale pandemia e hanno anche replicato alcuni degli errori che vediamo sullo schermo.

Un altro punto che mi spaventa, è come viene affrontata la questione del vaccino nel film, dove si vede che alcuni potrebbero anche dover aspettare anni prima di riceverlo, e credo sarà effettivamente così.

Quindi facendo il punto della situazione, il film potrebbe spaventare da alcuni punti di vista, ma anche rallegrare, in quanto si vede che la cura in quel caso viene trovata molto rapidamente.

CONSIDERAZIONI FINALI

Tralasciando le analogie con la realtà, come ho già detto, credo che il film sia ben fatto, con una trama importante e ben costruita, considerando anche il fatto che a quei tempi erano molti anni che non si verificava una situazione del genere.

Ottime, come sempre, le interpretazioni di tutti i grandi attori che hanno preso parte al film.

Spero che con questa breve introduzione abbia catturato la vostra curiosità, e spero vediate il film, in modo che possa stupirvi, ma anche farvi riflettere.

E mi raccomando, Buona Visione!!

Il RE: Una rivisitazione dei drammi shakespeariani [RECENSIONE]

Wed, 06 May 2020 04:10:11 +0000

Il 1° novembre 2019, apparve sulla più famosa piattaforma di streaming, il film diretto da David Michôd: The King (Il Re). Annunciato qualche mese al Festival del Cinema di Venezia, la produzione tratta le vicende de Enrico V di Shakespeare in chiave moderna e quasi contemporanea. Già da questa semplice frase, gli shakespeariani puri potrebbero storcere il naso in quanto, la pellicola, non segue alla lettera la figura del re descritta nei drammi del poeta inglese. Nonostante ciò, il Re, risulta essere un prodotto ben riuscito sia per quanto riguarda l’ottima regia, il cast e la sceneggiatura.

Trama

Il protagonista è Hal (Enrico V), un principe ribelle e poco incline a diventare re in quanto non sostiene la politica bellica intrapresa dal padre. Dopo la morte di Enrico IV, Hal a suo malgrado, diventa re cercando fin da subito di porre rimedio agli errori intrapresi dal padre, attuando una politica pacifica. Nonostante ciò, ben presto si troverà in uno dei più grandi conflitti della storia: la famigerata guerra dei Cent’anni contro la Francia. A questo punto, nonostante i suoi desideri pacifici, Hal e il suo esercito dovranno combattere contro la minaccia francese nella battaglia di Azincourt.

Analisi

Un cast degno di nota

Per questa recensione voglio partire analizzando il cast della pellicola che è il punto forte della produzione scritta da Michôd e Joel Edgerton. Effettivamente troviamo diversi attori degni di nota come Timothée Chalamet (Hal), uno degli attori più emergenti di quest’ultimo periodo, lo stesso Joel Edgerton interprete di John Falstaff, conosciuto soprattutto per il suo ruolo nel grande Gatsby, Warrior ed alcuni episodi di Star Wars; troviamo il vampiro di Twilight (Robert Pattison) nel ruolo del delfino di Francia;Tom Glynn-Carney, apparso nel capolavoro di Christopher Nolan: Dunkirk. Lily-Rose, figlia di Johnny Depp nel ruolo di Caterina di Valois, Dean-Charles Chapman (Tommaso di Lancaster), conosciuto soprattutto per il suo ruolo in 1917 (clicca qui per leggere la recensione!) e nel trono di spade sotto le vesti di Tommen Baratheon; ed infine Ben Mendelsohn.

Timothée Chalamet

Quindi ci troviamo di fronte a un cast di tutto rispetto, forse uno fra i più ricchi e promettenti all’interno delle produzioni originali Netflix. Non sto qui a dirvi l’egregio lavoro fatto da tutti gli attori presenti di cui spicca sicuramente la superba interpretazione di Timothée Chalamet.

Ritmo lento ma storia coinvolgente

Il ritmo della storia è veramente molto molto lento: l’intera pellicola si concentra dapprima sulla vita del principe Hal, un principe ribelle in preda all’alcol e alla noia e successivamente sulla famosa battaglia di Azincourt, rappresentata meravigliosamente.

Caratteristica non da poco è il fatto che la battaglia non viene combattuta fra eserciti composti da milioni di persone equipaggiati fin ai denti bensì, viene inquadrata una battaglia reale, una battaglia strategica (in cui emergere sicuramente la drammatica figura di John Falstaff) composta relativamente da pochi soldati e talvolta non armati come dovuto, una battaglia in cui si può notare la paura ma allo stesso tempo il coraggio dei cavalieri di entrambi gli eserciti.

Sentimenti che vengono accentuati dall’uso di colori prevalentemente scuri che si adattano alla perfezione alle varie situazioni e che quindi non vanno a stonare con tutta la scenografia, soprattutto con i fantastici costumi. Altro punto a favore sono sicuramente gli ottimi dialoghi che si estendono praticamente per quasi tutta la durata del film, limitando talvolta le scene d’azione che, nonostante ciò, riescono ad attirare l’attenzione dello spettatore.

Passiamo ora ai lati negativi: in particolare non mi ha convinto granché il finale che risulta discostarsi dagli stessi canoni visti nei minuti precedenti, come se fosse un finale forzato e quasi improvvisato. Nulla da dire invece per quanto riguarda il sonoro.

Considerazioni finali

Concludendo penso che Il Re di Netflix è una produzione molto valida, che riesce a coinvolgere lo spettatore nonostante il ritmo molto lento, dominato soprattutto dalla presenza di dialoghi molto significativi e interessanti.

1917, la follia cinematografica di Sam Mendes [RECENSIONE]

Mon, 27 Apr 2020 04:10:11 +0000

Oggi parliamo del film “1917”, la follia cinematografica di Sam Mendes, vincitore di 3 premi Oscar e 2 Golden Globe.

Definisco questo film “una follia cinematografica”, in quanto Sam Mandes, affiancato dalla sceneggiatrice Krysty Wilson-Cairns e il direttore della fotografia Roger Deakins, ha girato il film in modo che, una volta montato, sembrasse un unico piano sequenza, ovvero un’unica grande ripresa senza nessun taglio. Ovviamente è impossibile girare un film con un’unica ripresa, per questo sono stati utilizzati vari “tagli fantasma”, ovvero tagli in momenti in cui l’occhio dello spettatore non se ne accorge (ad esempio quando entrano in un luogo buio oppure attraversano una porta), anche se Sam non ha voluto dire effettivamente quanti tagli ci sono, sul web ormai ne sono già stati trovati alcuni.

Con un badget di 90 milioni, ci sono voluti 6 mesi di prove prima di iniziare effettivamente le riprese, in quanto dovevano presentarsi le condizioni giuste per girarlo, siccome erano delle riprese lunghissime.

L’anteprima del film è stata il 4 dicembre 2019, per poi apparire sul grande schermo il 23 gennaio 2020.

Trama

Il film è inspirato alle storie di guerra raccontate dal nonno di Sam “Alfred Hubert Mendes”, che ha combattuto nella prima guerra mondiale.

La trama è molto semplice, ma è stata ben narrata e articolata con il passare dei minuti: due soldati, Tom Blake e William Schofield, interpretati da Dean-Charles Chapman e George MacKay, vengono incaricati di portare una lettera al generale Mackenzie, con l’ordine di annullare l’attacco precedentemente programmato, però per farlo devono attraversare le linee dei nemici, che sembrano essersi ritirati. Durante la consegna del messaggio, ovviamente ci sono degli imprevisti, ma il compito prioritario rimane sempre quello di consegnare l’ordine.

Blake ha anche un secondo fine, ovvero trovare il fratello che fa parte del battaglione che devono raggiungere.

Dei protagonisti non si sa molto, ma è facile affezionarsi, in quanto rimaniamo a guardali per tutta l’ora e trenta della pellicola, senza mai distaccarci dalle loro avventure.

Per quanto riguarda le riprese, parliamo di paesaggi incredibili che rendono al meglio quella che era la vita di guerra. Devo dire che secondo me hanno fatto davvero un ottimo lavoro, presentando varie inquadrature letteralmente da brividi.

Il genere del film è principalmente storico e di azione, ma non mancano dei tratti drammatici ed emozionanti, rendendolo un film completo a 360°.

Considerazioni finali

Io ho apprezzato davvero molto il film, soprattutto dal lato tecnico, visto il grande sforzo e l’impegno messo da parte di tutto il cast, ma come ho già detto anche la storia e soprattutto le riprese mi hanno colpito molto. A mio parere credo meritasse essere premiato come miglior film dell’anno agli Oscar 2020, anche se il vincitore è stato un altro filmone di cui parleremo in un prossimo articolo. Fatto sta che mi accontento di averlo potuto vedere ed essermi goduto questo piccolo capolavoro.

Spero che con questa recensione abbia catturato la vostra curiosità, e spero lo vediate e lo apprezziate.