sci-fi on Aboutof

La forma dell’acqua: la nuova "Bella e la Bestia"? [RECENSIONE]

Thu, 23 Dec 2021 04:10:11 +0000

La forma dell’acqua (The shape of water), è una pellicola del 2017 del regista messicano Guillermo del Toro (che tra l’altro, ha compiuto gli anni proprio ieri!) che, dopo tanto impegno, è riuscito a portarsi a casa ben 4 oscar (miglior film, miglior scenografia, miglior regista e migliore colonna sonora), e 1 leone d’oro alla mostra di Venezia.

Titolo originale: “The shape of water”

Regia: Guillermo del Toro

Anno: 2017

Durata:123 MIN

Paese:USA

Genere: Drammatico, sci-fi, sentimentale

Trama

Ci troviamo in Baltimora, nel 1962. Eliza Esposito, la protagonista, è una donna affetta da mutismo che lavora come addetta delle pulizie in un laboratorio governativo dove, un giorno, scopre una creatura anfibia dall’aspetto quasi umano.

Tra i due presto si creerà un legame indissolubile, tanto che la donna cercherà in tutti i modi di salvarlo dallo spietato colonnello Strickland che ha il compito di vivisezionarlo per studiarne il sofisticato apparato respiratorio.

Analisi

⚠️ Presenti spoiler!⚠️

Se vi dovessi parlare di lei, la principessa muta, che potrei dirvi? Vi dovrei parlare del quando…? E’ successo tanto tempo fa durante gli ultimi giorni di regno di una Principessa delle fate… o vi dovrei parlare del posto? Una piccola città vicino alla costa,ma lontano d qualsiasi altra cosa… O forse dovrei mettervi in guardia sulla veridicità di questi fatti e sulla favola dell’amore e della perdita e del mostro che ha tentato di distruggere tutto

E’ proprio in questo modo che, del Toro, decide di aprire e presentarci il proprio film. Già dai primi minuti si può intuire che, “La forma dell’acqua”, è una pellicola diversa dai soliti drammi, per certi versi un pò strana ed estremamente complessa.

Nonostante la trama sia semplicissima, la pellicola contiene al suo interno un’infinità di significati nascosti, che possono essere colti solamente osservando più volte il film.

Il significato del titolo

Il primo lo ritroviamo nel titolo in sè, un titolo all’apparenza insignificante ma che ingloba un significato molto più sottile e puro.

L’acqua, essendo un liquido non ha forma ma assume quella di un eventuale contenitore… così come la personalità delle persone: la personalità (la normalità quotidiana) infatti non ha forma, è qualcosa che si modella col passare del tempo, basandosi sulle vicende passate. Ciò è ben visibile nella progressiva crescita psicologica e morale della protagonista.

Lo stesso discorso lo si può fare con il concetto di amore, che nel film viene manifestato sotto varie forme.

I temi trattati

Il tema principale della pellicola è la diversità, tema trattato dal regista in vari modi; partendo dalla figura di Elisa: è molto raro e complesso trovare come protagonista di un film, un personaggio muto, costretto a recitare esclusivamente tramite il linguaggio del proprio corpo. Si tratta di una figura umile e triste, “costretta” a lavorare come addetta delle pulizie per un laboratorio governativo… Un lavoro sicuramente non dignitoso in una società corrotta, omofoba, maschilista e razzista.

Eliza Esposito

Tutti temi che vengono inquadrati da del Toro: il miglior amico della protagonista (Giles) è un artista gay licenziato, Zelda, la migliore amica di Elisa è una donna di colore… Dall’altro lato troviamo il colonnelo Strickland, un uomo virtuoso, benestante, con una famiglia perfetta ma divorato dall’ambizione che, rappresentando il vertice di questa piramide sociale, è la reincarnazione del male puro, nonché di tutte queste connotazioni negative.

Infine, al di fuori della società, si colloca la figura del mostro, una figura molto particolare e dotata di molte sfaccettature.

Colonnelo Strickland

Sotto un altro punto di vista, la pellicola può essere vista come un attacco alla (vecchia) politica di Trump contro gli immigrati ma soprattutto alla frontiera fra Stati Uniti e Messico.

Un cast particolare

Sally Hawking (Eliza), dovendo interpretare un personaggio muto, ha dovuto recitare esclusivamente con il proprio corpo e nonostante la sua performance è stata più che apprezzata dal pubblico, non è riuscita a portarsi a casa la statuetta dell’Academy. Tra gli altri personaggi del cast troviamo il mitico Micheal Shannon nei panni del brutale colonnello Strickland, Doug Jones che, come al solito, ha indossato il costume del mostro; Octavia Spencer nei panni di Zelda e Richard Jenkins in quelli di Giles.

Doug Jones indossa il costume

Quasi tutti gli attori hanno recitato molto bene la propria parte ma spiccano soprattutto il mitico Micheal Shannon e la protagonista.

La toccante colonna sonora, la maniacale cura dei dettagli e le docili inquadrature

Sul lato tecnico non c’è nulla da dire: è pazzesco!

Partiamo dalla colonna sonora che mi ha veramente colpito e credo che sia il motore della pellicola messicana: Alexandre Desplat è riuscito a creare una colonna sonora drammatica e nostalgica, quasi fiabesca, che si adatta in maniera perfetta al fine stesso del film. Non a caso, il compositore, si è portato a casa una bella statuetta dell’Academy!

Colonna sonora che si abbina alla perfezione anche alle ottime inquadrature e ai docili movimenti di camera permettono di inquadrare al meglio alcuni dettagli dei personaggi ed accentuare il senso del mistero.

Sul piano scenografico non c’è nulla da dire… vi basta osservare questa immagine di un semplicissimo studio per comprendere la minuziosa cura dei dettagli.

Eccellente anche la fotografia che, grazie ai suoi toni freddi e talvolta cupi, riesce a mascherare l’idea fiabistica che si prova nei minuti iniziali ma soprattutto ad accentuare questo senso di “misterioso” che si prova per tutta la durata della pellicola. La luce molto spesso e' netta e cruda e crea in questo modo un interessante gioco di luci ed ombre.

I colori giocano un ruolo dominante… per tutta la durata della pellicola si percepisce una tonalita' verdastra, quasi melmoso, radioattivo.

In bilico tra la realta' e la fantastia

Il punto forte della pellicola è sicuramente il fatto che si trovi in bilico fra la realtà e la fantasia. Il regista infatti, è riuscito a rappresentare con grandissima delicatezza ma allo stesso tempo brutalità, una fiaba (non a caso ho osato paragonarla a “La bella e la bestia”) in chiave reale.

Vi immaginereste lo stesso film realizzato totalmente in animazione? Sicuramente non avrebbe avuto lo stesso successo in quanto, il punto forte di Del Toro, è stata la capacità di fondere elementi fantastici e reali, creando una love story innovativa, profonda e, per certi versi toccante.

Il rapporto (forzato) con il mostro

Ora però passiamo ai lati negativi … d’altronde non è tutto oro quello che luccica! In particolare mi sarebbe piaciuto capire di più sul rapporto fra il “mostro” e la protagonista in quanto, sembra nascere praticamente dal nulla. Basta un semplice sguardo per far cadere la protagonista in un amore platonico. Capite pertanto che sembra quasi una forzatura ai fini della trama stessa per far funzionare il film.

Nonostante la presenza di alcuni elementi tipici di favole e fiabe (come per esempio il narratore iniziale) che funzionano alla perfezione, talvolta vengono usati dal regista come una scusa per qualche mancanza. ⚠️

Per finire, non mi ha totalmente convinto una scena musicale, posta nei minuti finali che reputo inutile e discordante… perchè utilizzare il bianco e nero? Capisco che la scena avrebbe dovuto raffigurare i sogni della protagonista ma, non si capisce! Sembra infatti che il mostro, tramite i suoi poteri guaritivi, abbia ridato la voce ad Elisa… Chissà, forse è proprio questo quello che del Toro ha voluto comunicare?

Personalmente la reputo una scena distaccata dal contesto generale del film.

La conclusione e la morale

E ora, come concludere un film del genere? E’ proprio in questi momenti bui e indecisi che del Toro ricorre all’utilizzo della voce narrante, una scelta a dir poco perfetta! Conclusione particolare ma a mio parere molto interessante, che vede come protagonista una poesia, una poesia sussurrata da una persona innamorata centinaia di anni fa:

Incapace di percepire la tua forma, ti trovo ovunque intorno a me, la tua presenza mi riempie gli occhi con il tuo amore, il mio cuore si fa piccolo perchè tu sei ovunque.

Ma non finisce qui! La pellicola infatti nasconde un altro significato, probabilmente il più importante di tutti, quasi una morale:

Spesso i veri mostri non sono quelli che sembrano di esserlo ma le persone che ogni giorno camminano sui marciapiedi, mascherate da un bel vestito…

Citando Stephen King:

“I veri mostri sono nella realtà”.

Considerazioni finali

La forma dell’Acqua è un film molto particolare, una love-story in bilico fra la realtà e la fantasia che cerca di scavare nel profondo dello spettatore per farlo riflettere su tematiche spesso dimenticate.

Blade Runner: un cult-movie del cinema sci-fi [RECENSIONE]

Sat, 07 Nov 2020 04:10:11 +0000

Sono passati la bellezza di 38 anni quando per la prima volta veniva proiettato nelle sale cinematografiche “Blade Runner“, il capolavoro di Ridley Scott. Per chi non conoscesse Blade Runner, si tratta di un film di genere sci-fi con qualche nota di dark/noir, divenuto una vera e propria pietra miliare (insieme ad “Odissea nello spazio” di Kubrick) per il genere fantascientifico e una delle pellicole più apprezzate dagli appassionati per la sua “profondità“.

Prima di iniziare con la recensione in se, devo fare una precisazione: esistono ben 3 versioni di Blade Runner:

International Cut: è la versione originale della pellicola apparsa nel 82;
Director’s Cut: è una versione del ’92 che più sia avvicina al film concepito dal regista;
Final Cut: è una versione del 2007 che rappresenta il connubio perfetto fra la International e la Directs’s Cut.

In realtà esistono molte altre versioni del film (in totale sono 7) ma, per non incasinare troppo, ho preferito non citarle.

Se non sapete quale guardare (e non avete voglia di leggere altri articoli su internet), puntate alla versione del 2007 (Blade Runner: The final Cut), l’unica disponibile su Netflix.

Trama

In un lontano e distopico 2019, il pianeta Terra è diventato invivibile a causa dell’inquinamento e del sovraffollamento.

Le persone che possono permetterselo, abbandonano il pianeta per andare a vivere nelle colonie extra-mondo dove vengono “aiutati” dai replicanti, degli androidi praticamente identici agli umani con una vita limitata a 4 anni, che vengono sfruttati come schiavi.

A seguito di una rivolta, i replicanti furono banditi dalla Terra e fu assegnato alla squadra speciale Blade Runner il compito di eliminare tutti quelli ancora presenti sul pianeta. Anche il protagonista Rick Deckard è un Blade Runner e gli viene assegnato il compito di “ritirare” (uccidere) 4 replicanti fuggiti.

Analisi

“Do Androids Dream of Electric Sheep?”

Gli sceneggiatori, per la stesura della sceneggiatura di Blade Runner, si sono ispirati al romanzo “Do Androids Dream of Electric Sheep?” di Philip K. Dick.

Già dai primi minuti si può evincere questo sottono dark/noir che accompagna lo spettatore per tutta la durata del film: viene inquadrata una Los Angeles cyberpunk, cupa, malata, dove il sole è perennemente oscurato dalla nebbia prodotta dall’inquinamento.

Le poche persone rimaste sono per lo più povere o malati che non hanno superato il test per il trasferimento nelle colonie e, gli unici animali presenti sono stati creati in laboratorio.

Un connubio perfetto fra cast, fotografia, effetti speciali e sonoro

La fotografia è veramente pazzesca: fasci netti e concisi di luce squarciano le claustrofobiche e scure ambientazioni. Per ottenere questo fantastico mood cupo e opprimente, le riprese furono girate esclusivamente di notte e sotto della pioggia artificiale, in interni.

Senso di oppressione/claustrofobia che viene alimentato dalla memorabile colonna sonora di Vangelis che va, in un certo senso, a richiamare (al limite del possibile), quel sottotono cyberpunk.

Anche gli effetti speciali, curati da Douglas Trumbull, sono veramente strepitosi per un periodo in cui ancora si sognava la CGI; anche se nella versione “The final Cut” sono state apportate delle piccole migliorie utilizzando la medesima tecnologia.

Il protagonista (Rick Deckard) è impersonato minuziosamente da Harrison Ford, già conosciuto per il suo ruolo in “Guerre stellari” e “Indiana Jones“. Successivamente troviamo la fragile e sensuale Sean Young (che ha anche recitato in “Dune” di David Lynch) nei panni di Rachael; Rutger Hauer nei panni del leader dei replicanti: Roy Batty; Edward James Olmos (Gaff); Daryl Hannah (Priss); Joanna Cassidy (Zhora); Joe Turkel conosciuto soprattutto per il ruolo di Lloyd in “The shining” di Kubrick, nei panni del dottor Tyrell; Brion James; William Sanderson, ecc… Un cast pulito e funzionale. Inutile parlare dell’eccellente interpretazione degli attori.

La tematica filosofica

La vera forza di Blade Runner sta nelle tematica trattata: “Cosa significa veramente essere umano?” Tematica che trova il suo culmine nel fantastico monologo finale, recitato dal replicante Roy:

Io ne ho viste cose che voi umani non potreste immaginarvi. Navi da combattimento in fiamme al largo dei bastioni di Orione… e ho visto i raggi B balenare nel buio vicino alle porte di Tannhäuser. E tutti quei momenti andranno perduti nel tempo come lacrime nella pioggia. È tempo di morire.
― Roy Batty, https://it.wikipedia.org/wiki/Ho_visto_cose_che_voi_umani

Monologo finale che ha fatto letteralmente breccia nel cuore di tutti in quanto contiene un piccolo significato nascosto: non importa se Deckard è un androide o meno…Non importa sapere se è umano o meno… sono le emozioni che prova a renderlo umano.

E’ proprio in questo monologo che viene fuori la volontà di Ridley Scott nel puntare diretto al cuore degli spettatori… E devo ammettere che ci è riuscito alla grande!

Deckard è un replicante?

Uno dei dibattiti più accesi riguarda infatti la natura del protagonista: è umano o no? A risolvere la matassa ci ha pensato lo stesso regista, affermando che Harrison Ford era un replicante. Una scelta a doppio taglio se si considera il fatto che nella versione “International Cut” non è presente la scena del sogno di Deckard, una clip essenziale per capire la vera natura del protagonista.

Il ritmo lento

Gli unici punti deboli della pellicola sono la lentezza della narrazione che, in accoppiata a una sceneggiatura non così lineare, possono annoiare e confondere lo spettatore. Non nego che, per comprendere al meglio il film, ho dovuto dargli qualche altra rispolverata.

Considerazioni finali

Tirando le somme, Blade Runner è una pietra miliare per il cinema di fantascienza, un cult-movie che andrebbe visto letteralmente da chiunque, anche da coloro che non amano il genere… Chissà, forse si appassioneranno!

★ ★ ★ ★ ★

Gravity: un meraviglioso documentario National Geographic! [RECENSIONE]

Tue, 29 Sep 2020 04:10:11 +0000

Gravity: un documentario National Geographic sotto la maschera di un film

Titolo originale: Gravity

Anno: 2013

Durata: 92m

Regia: Alfonso Cuarón

Genere: Fantascienza, Thriller

Cast: Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris…

Gravity è il fiore all’occhiello di Alfonso Cuarón, un grande regista che già anni prima aveva iniziato ad esporre la propria bravura in pellicole assai note e popolari come Harry Potter- il prigioniero di Azkabam (a mio giudizio, il miglior film di HP), Uno per tutte, Y tu mama Tabien…. e finalmente Gravity, il capolavoro che ha definitivamente lanciato Cuarón nell’Olimpo dei registi più apprezzati e con il quale, il regista messicano, si è portato a casa la bellezza di 7 premi oscar su 10 candidature; incassando oltre 700 milioni di $ (con un badget di “soli” 100 milioni).

L’ultima pellicola del regista messicano, traSmessa sul mercato è “Roma“, un altro grandissimo film che tratteremo negli articoli successivi.

Trama

L’ingegnere biomedico Ryan Stone (Sandra Bullock) e l’astronautaMatt Kawalsky(George Clooney) vengono mandati nello spazio per aggiustare il telescopio Hubble.

Sandra Bullock nei panni di Ryan Stone

Durante la missione vengono avvisati dal quartier generale di un missile russo che, colpendo un vecchio satellite fuoriuso, ha generato una catena di detriti che si muove ad altissima velocità.

Mentre l’equipaggio cerca di tornare in fretta e furia all’Explorer, alcuni detriti danneggiano lo Shuttle e il telescopio, uccidendo alcuni membri del team.

George Clooney nei panni di Matt Kawalsky

L’unica speranza di sopravvivenza per la dottoressa Ryan e per l’astronauta Matt è quella di raggiungere l’ISS, la stazione spaziale internazionale, distante qualche km dal telescopio Hubble.

Analisi

Gravity è un film mozzafiato, un grande sci-fi che -un pò come per Revenant– cerca di parlare e trasmettere emozioni tramite il reparto visivo, trascurando (non troppo) i dialoghi che risultano essere (pochi), lineari ma diretti.

Paesaggi mozzafiato, accompagnati da una colonna sonora felpata

Le spettacolari e incantevoli ambientazioni, che per forza di cose sono state realizzate totalmente al computer, vengono accompagnate da una colonna sonora prettamente silenziosa ma che riesce perfettamente ad avvolgere ed immergere lo spettatore nel tenebroso universo, trasmettendo quel senso di claustrofobia e solitudine tipico dei film del genere.

Colonna sonora che riesce ad adattarsi perfettamente anche alle docili inquadrature, suonando quando necessario e zittendosi nei momenti adeguati. Sono proprio questi momenti di “vuoto” a dare una marcia in più al sonoro di Steven Price, permettendo cosi allo spettatore di sentirsi parte del cosmo stesso.

Inquadrature che cullano lo spettatore nel cosmo

Sensazione che viene altamente accentuata da inquadrature morbide, dotate di movimenti di camera superbamente millimetrici e lineari che cullano lo spettatore durante la spettacolare visione del pianeta Terra da una prospettiva differente dal solito. Caratteristica che ha reso queste inquadrature talmente interessanti è sicuramente l’ausilio di lunghi piani sequenza, intere clip (in gravity si parla di clip di 15/20 minuti) girate interamente e montate senza alcun taglio, che permettono una maggiore immersività, aumentando non di poco l’attenzione dello spettatore.

Sul comparto fotografico invece, è presente il grandissimo e impeccabile Emmanuel Lubezki, che ha già collaborato con Cuarón in progetti passati e ci ha deliziato con la sua maestosa fotografia in Revenant-Redivivo (trovi qui la recensione).

Emmanuel Lubezki

Come sempre, il direttore della fotografia ha svolto in maniera impeccabile il suo ruolo, aiutando a ricostruire in CGI , nella maniera più naturale e reale possibile, dei dettagli microscopi, dettagli che possono essere colti solamente da un occhio allenato, un occhio fotografico.

Sono proprio questi piccoli dettagli a fare la differenza in Gravity ma soprattutto che hanno permesso a Lubezki di portarsi a casa l’ennesima statuetta dell’Academy.

Gravity o Interstellar?

Molto spesso, la pellicola di Cuaron, è paragonata a Interstellar di Christopher Nolan (leggi la recensione qui).

La principale differenza è che la pellicola messicana, in soli 90 minuti, riesce a descrivere quello che la pellicola americana fa in ben 169 minuti.

Una scena di "Gravity"

Gravity infatti appare come un film conciso, diretto verso una meta ben stabilita; mentre il film di Nolan si dilunga (tralasciando gli intrecci temporali tipici del regista), cercando di inquadrare anche i momenti prima della partenza per lo spazio e concentrandosi di più sul lato emotivo e umano.

Gravity: una sceneggiatura semplice e lineare

Questo è dovuto principalmente alla semplicità della trama e della sceneggiatura di Gravity che segue sempre un ordine cronologico. A dire la verità, proprio se vogliamo fare i puntigliosi, per quanto riguarda la stesura della sceneggiatura si poteva fare qualcosina di più, soprattutto per alcuni dialoghi che talvolta sembrano fuori luogo e quindi poco credibili (soprattutto quelli a inizio pellicola).

Una scena di "Gravity"

Ma basta pensare che (quasi) tutto il film ruota esclusivamente attorno a 2 figure: Sandra Bullock (Ryan Stone) e George Clooney (Matt Kawalsky) per farsene una ragione.

Considerazioni finali

In conclusione, Gravity, è una validissima produzione che vanta un reparto tecnico pauroso e che, dopo anni, ha dato una svolta nel campo del cinema sci-fi, diventando uno dei film più amati e ricordati dagli appassionati del genere. Un film da non perdere!

INTERSTELLAR: uno sci-fi che fa leva sui sentimenti! [RECENSIONE]

Tue, 07 Jul 2020 04:10:11 +0000

Titolo originale: Interstellar

Regia: Christopher Nolan

Anno: 2014

Durata:169 MIN

Paese: USA, UK

Genere: sci-fi, drammatico

Trama

In un remoto e parallelo XXI secolo, il pianeta terra sta diventando invivibile a causa dei cambiamenti climatici che hanno ridotto l’ossigeno presente. L’unica coltura che riesce ancora a crescere è il granturco. L’unico modo per far sopravvivere la razza umana è quello di cercare un nuovo pianeta abitabile. Così, Cooper -il protagonista-, un ex ingegnere e pilota della NASA, insieme al resto dell’equipaggio dell’Endurance parte alla ricerca di un pianeta simile a quello terrestre.

Analisi

Un cast piu' che soddisfacente

Per questa recensione voglio partire dal cast in cui compare la figura di Matthew McConaughey, famoso per il ruolo di Rustin Cohle in True detective e per Mark Hanna in “The Wolf of Wall Street”; Anne Hathaway (Amelia Brand) che ha già debuttato in “Il cavaliere oscuro – Il ritorno”; Jessica Chastain che interpreta la futura Murphy; il mitico Michael Caine, comparso già in Inception (clicca qui se vuoi leggere la recensione) che in questo caso raffigura il professor Brand; Timothée Chalamet (Tom) che abbiamo già visto nella recensione de “Il Re” (la trovi qui); Mackenzie Foy (la piccola Murphy) famosa per il ruolo di Renesmee Cullen in Twilight ed infine non possiamo dimenticarci del mitico e simpatico TARS, il robottino che ha accompagnato gli astronauti per tutto (quasi tutto) il viaggio interstellare che è a tutti gli effetti un personaggio di Interstellar e non un qualcosa di extra, un qualcosa di sacrificabile.

TARS

E’ proprio la figura di TARS a creare una sorta di collegamento (proprio come una sorta di wormhole per rimanere in tema) tra il futuro apparentemente distopico e il passato: nonostante il futuro sia protagonista di un evoluzione tecnologica senza pari, sembra essere ancora collegato in qualche modo al passato sulla Terra. Effettivamente il nuovo mondo descritto in Interstellar su un possibile esopianeta appare molto simile a quello terrestre (se non quasi identico): vengono inquadrati alcuni ragazzi giocare a baseball, semplici ospedali, normalissime abitazioni… Christopher Nolan quindi ha cercato di discostarsi il più possibile da quel futuro distopico, dominato da mondi totalmente meccanizzati dove le auto sono state ormai sostitute da super navicelle, gli spazi verdi non esistono più e la razza umana è oramai “sottomessa” dalle macchine da lei stessa create.

Come per le pellicole precedenti, si tratta di un cast completo e super valido (lo si poteva immaginare). Su per giù la performance di quasi tutti gli attori è stata più che soddisfacente ma di sicuro spicca la -a tratti drammatica- figura di Matthew McConaughey (Cooper).

Il lato sentimentale

Di fatto, Interstellar, è uno sci-fi drammatico che pone le sue radici in una sottotrama sottile ma indistruttibile: l’amore tra padre e figlio; per poi proseguire verso l’alto, verso la trama principale: il salvataggio della razza umana. E’ proprio questa sottotrama che, secondo me, ha reso Interstellar una produzione così reale, così umana ma soprattutto memorabile!

Una volta che si diventa genitori, non si è altro che il fantasma del futuro dei propri figli

Caratteristica tipica la possiamo riconoscere nel carattere dei personaggi: evidentemente Nolan ha cercato di rappresentare i vari personaggi attribuendoli temperamenti diversi e a volta contrastanti (basti pensare all’ottimismo e all’altruismo di Cooper; alla sincerità di Amelia Brand; all’egoismo del professor Brand; la presunzione e l’arroganza del dottor Mann; l’intellettualismo di Romilly….). E’ proprio questa “umanità” che contraddistingue la pellicola Nolaniana da film simili.

Cooper e Murphy

Gli intrecci temporali: una pellicola piu' reale del previsto

Naturalmente, come da consuetudine, non mancano i tipici giochi temporali, classico Nolan, che rendono sicuramente più complesso il film. Sono proprio questi giochi temporali che potrebbero far storcere il naso a qualcuno in quanto, complicano non di poco il finale, un finale emozionante e a dir poco perfetto. Complessita' che va a sommarsi alle tematiche di fisica quantistica trattate.

La quinta dimensione

Per la scrittura della sceneggiatura infatti ha partecipato anche il fisico Kip Thorne che, nel 2017, ha vinto il premio nobel per la scoperta delle onde gravitazionali. L’intento di Nolan era pertanto quello di realizzare una pellicola “il piu' reale possibile”, nonostante per certi aspetti possa non sembrarlo.

Kip Thorne

E’ innegabile dire che Nolan è riuscito a gestire quasi tutti questi intrecci temporali in una maniera sopraffina, riuscendo a trasformare ciò che in molti criticano in veri punti di forza, capaci magari di strappare qualche lacrima allo spettatore. Certamente non manco dei lati oscuri all’interno di questi intrecci temporali come la difficilissima questione dell’orologio e del codice morse che il cineasta ha voluto rappresentare.

L'orologio visto dalla quinta dimensione

Sentimenti che vengono accentuati dalle strabilianti riprese (soprattutto quelle del cosmo, realizzate in CGI), realizzate in iMAX 35 e 70mm, da un’ottima e nostalgica colonna sonora scritta dal pluripremiato Hans Zimmere da una fantastica fotografia che riprende ed accentua il tema drammatico. Poco da dire invece, per quanto riguarda gli effetti speciali (ha vinto l’oscar per miglior effetti speciali) che risultano essere affascinanti ed adeguati.

Considerazioni finali

Concludendo consiglio a tutti la visione di Interstellar -anche a coloro che non adorano il genere fantascientifico- in quanto vi posso assicurare che, grazie alla sua “umanità” ed emotività riuscirà a colpirvi e tenervi incollati allo schermo per tutti i suoi 169 minuti.

“Gemini Man” e il clone di Will Smith [RECENSIONE]

Wed, 27 May 2020 04:10:11 +0000

L’ottobre dello scorso anno, è finalmente apparso sui grandi schermi quello che era un progetto di praticamente 20 anni fa …sto parlando del film “Gemini man”.

In realtà l’idea originale del film era nata nel 1997 da Darren Lemke, ma la pellicola non fu mai prodotta a causa delle lente tecnologie di quei tempi.

Ma fortunatamente nel 2016 la Skydance ha rispolverato il vecchio progetto acquistandolo dalla Disney, e dopo aver riscritto la sceneggiatura di Darren, nel 2018 iniziarono le riprese dirette da Ang Lee.

Tutte le riprese del film sono state effettuate in 4k 3D a 120 fps, ma la parte più difficile a livello tecnologico è stata la realizzazione del clone di Will Smith, in quanto è stato effettivamente creato un umano completamente in digitale, ed è per questo che 20 anni prima non era stato possibile produrlo.

La trama del film è ovviamente incentrata sull’innovazione tecnologica del clone digitale di Will Smith, che è il punto cardine della produzione, senza il quale probabilmente non avrebbe avuto il suo piccolo successo.

Hanry Brogan, interpretato da Will Smith, è un ex-cecchino dei Marines, il migliore in circolazione, che ora lavora come sicario compiendo brevi missioni, probabilmente più per passione che per bisogno.

Dopo il suo ultimo incarico, dove rischia di ferire un civile, decide di ritirarsi e andare in pensione. Quando finalmente si prepara al prematuro congedo, riceve una notizia da un suo vecchio amico il quale lo informa che l’uomo ucciso nella sua ultima missione era innocente.

Il capo dell’unità operativa segreta “GEMINI”, una volta scoperto che Hanry è a conoscenza di queste informazioni, ordina di ucciderlo.

Brogan Insieme all’agente Danny Zakarewski riesce a scappare dal primo attacco, ma la situazione si complica quando viene inviato per ucciderlo il suo clone.

Il resto del film è incentrato sullo scontro tra i due, che si sposta di paese in paese, ricco di scene di azione che riescono a farti rimanere attaccato allo schermo.

Per quanto mi riguarda le 2 ore della pellicola scorrono molto velocemente in modo abbastanza lineare, anche se ci sono alcuni momenti molto lenti e “noiosi” ovviamente necessari ai fini della storia.

A mio parere, l’idea del film è bella e anche importante per quanto riguarda lo sviluppo nel mondo del cinema e delle sue tecnologie, in quanto è stato praticamente ricreato un attore in digitale, ovviamente basandosi sulle interpretazioni di Will Smith, ma ogni movimento e espressione che fa l’Hanry Brogan ventitreenne, è creata in digitale. Nonostante ciò si nota ancora che non è una persona reale, e che è fatta al computer, ma è sempre un ottimo punto di inizio per futuri progetti.

Durante le scene d’azione, il clone non si comporta proprio benissimo, in quanto molti movimenti, che l’occhio umano è abituato a vedere molto frequentemente, sembrano strani e “innaturali”.

Per quanto riguarda le interpretazioni dei vari attori, secondo me, sono tutte ottime, anche la doppia recitazione di Will Smith, che come al solito non ci delude mai.

Come abbiamo detto però, siccome la storia è incentrata sulla battaglia tra i due Hanry, vengono tralasciati i personaggi secondari di cui non sappiamo praticamente nulla.

Spero che con questa breve introduzione abbia catturato la vostra curiosità, e spero vediate il film, in modo che possiate dare la vostra opinione su quello che può essere un grande passo avanti nel mondo del cinema.

E mi raccomando, Buona Visione!!