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10 film da vedere ad Halloween 2021: classici e non

Sat, 30 Oct 2021 04:10:11 +0000

Tremate! Halloween è oramai arrivato e, come consuetudine, non si può passare un 31 ottobre senza vedere una pellicola da brividi con i propri amici.

Ecco per voi 10 film da vedere ad Halloween: classici e non!

Shining

Titolo originale: The shining

Anno: 1980

Durata: 120m

Regia: Stanley Kubrick

Tratto dal bestseller di Stephen King, Shining racconta la storia di una famiglia rimasta isolata in un hotel in alta montagna a causa della neve. Agli effetti negativi dell’ isolamento e al nucleo familiare alquanto cagionevole, si intromette una forte componente paranormale che porterà alla pazzia dei presenti.

Tutto questo, unito alla chirurgica mano di un regista capace di modellare a proprio piacimento l’immagine, il suono e la luce per provare vere sensazioni di angoscia e paura.

E’ diventato presto un cult movie ed è entrato nell’immaginario collettivo come il miglior film horror in assoluto. Si tratta sicuramente di una pellicola che merita di essere vista anche dai non appassionati del genere.

Nightmare - dal profondo della notte

Titolo originale: Nightmare on Elm street

Regia: Wes Craven

Anno: 1984

Durata: 91m

Nightmare - dal profondo della notte ha segnato la nascita dell’iconica figura di Freddy Krueger, uno dei più famosi serial killer divenuto, col passare del tempo, un chiodo fisso nel cinema dell’orrore.

La pellicola rappresenta la materializzazione degli incubi di alcuni ragazzi di quartiere nella figura di un uomo dal volto ustionato, dotato di un guanto artigliato con lame di coltello. Si tratta di Freddy Krueger, un pluriomicida che è stato ucciso dalla furia vendicativa dei cittadini di Springwood ma che ora è tornato dalla morte sotto forma di incubo per vendicarsi dei suoi carnefici sterminando i loro figli.

Il primo film risulta meno cruento e splatter degli altri ma, nonostante ciò, riesce a canalizzare fortemente il proprio messaggio, concentrandosi sugli effetti che la paura ha sulla psiche.

The Witch

Titolo originale: The Witch

Regia: Robert Eggers

Anno: 2016

Durata: 90m

The Witch - Vuoi ascoltare una favola? (2015) on IMDb

Il protagonista della pellicola è William, un uomo estremamente devoto al puritanesimo che viene allontanato dalla sua comunità per l’estrema rigidità con cui applica gli insegnamenti di Dio.

Convinto dei suoi metodi, decide di trasferirsi con la sua famiglia ai margini di un bosco isolato. L’equilibrio raggiunto viene subito spezzato da un’entità misteriosa che rapisce il figlio dalle braccia della sorella Thomasin.

Da questo momento in poi iniziano ad accadere strani fatti che complicano ulteriormente la situazione.

Halloween - la notte delle streghe

Titolo originale: Halloween

Regia: John Carpenter

Anno: 1978

Durata: 93m

Il film è ambientato ad Haddonfield, una piccola cittadina del New Jersey dove, come da tradizione, i bambini vanno in giro mascherati facendosi scherzi terrificanti. E’ la vigilia di tutti i santi.

Dietro una di quelle maschere si cela Micheal Myers, un serial killer che quindici anni prima, a soli 6 anni, aveva massacrato a coltellate la giovane sorella per “divertimento”. Myers è appena fuggito dal manicomio in cui era rinchiuso e l’unico che potrebbe fermarlo è il dottor Sam Loomis.

Babadook

Titolo originale: The Babadook

Regia: Jennifer Kent

Anno: 2014

Durata: 93m

La protagonista del film è Amelia, una donna sulla quarantina che ha perso il marito da 6 anni e che vive con suo figlio Samuel.

Le difficoltà economiche, lo stress causato dall’iperattività del bambino, la sua violenza ed agitazione, portano la madre a nutrire una sorta di odio verso il suo stesso figlio.

Le cose si complicano quando entra in gioco un libro delle favole diverso dagli altri: è nero, cupo e spaventoso. La creatura misteriosa sembra provenire proprio da questo libro, Mister Babadook, la cui presenza diventa sempre più pressante ed inquietante.

Suspiria

Titolo originale: Suspiria

Regia: Dario Argento

Anno: 1977

Durata: 100m

Tratto dal romanzo “Suspiria De Profundis” di Thomas de Quincey, Suspiria di Dario Argento racconta le disavventure di Susy che, per migliorare le sue abilità di danza, si iscrive ad una prestigiosa Accademia di danza a Friburgo.

All’arrivo accade qualcosa di strano: durante una violentissima tempesta, una ragazza di nome Pat viene uccisa e massacrata da una misteriosa figura.

Solamente in seguito scoprirà che la scuola era stata fondata da una strega greca che insegnava magia nera all’interno dell’edificio.

Sinister

Titolo originale: Sinister

Regia: Scott Derrickson

Anno: 2012

Durata: 100m

Sinister racconta la storia di Ellison Oswalt, un noto scrittore di cronaca nera diventato famoso con il best-seller “Kentucky Blood”. Caduto nel dimenticatoio decide di trasferirsi con la moglie Tracy e i figli Travor e Ashley in Pennsylvania, in cerca di ispirazione.

La casa in cui andranno a vivere è stata protagonista di un macabro episodio: l’anno precedente la famiglia Stevension è stata trovata impiccata e la figlia più piccola non è mai stata ritrovata.

Una sera Ellison trova, in alcuni scatoloni, dei una cinepresa su cui è salvato il video dell’omicidio degli Stevenson.

Invece di condividere queste informazioni con la polizia decide di scrivere il romanzo del secolo mettendo in serio pericolo la vita della sua famiglia.

Saw l’enigmista

Titolo originale: Saw

Regia: James Wan

Anno: 2004

Durata: 100m

Il fotografo Adam Stanheight e il medico oncologico Lawrence Gordon si risvegliano con un piede incatenato a un tubo in un vecchio e lurido bagno abbandonato. Fra loro c’è un cadavere, anche lui incatenato, steso sul pavimento in una pozza di sangue con in mano una pistola e un registratore di cassette.

La cassetta contiene le istruzioni per sopravvivere: Lawrence deve uccidere Adam altrimenti sua moglie Alyson e sua figlia Diana moriranno; Adam dovrà assistere alla propria fine o iniziare la propria vita.

Nella stanza sono presenti 2 seghetti che servono a tagliare le ossa umane: si tratta tutto di un piano di Jigsaw, l’Enigmista, un serial-killer famoso per i suoi “giochetti mentali” dando alle vittime una remota possibilità di aggiudicarsi la salvezza.

A Classic Horror Story

Titolo originale: A classic horror story

Regia: Roberto De Feo, Paolo Strippoli

Anno: 2021

Durata: 94m

Cinque persone stanno viaggiando a bordo di un camper quando, per evitare la carcassa di un animale morto, si schiantano contro un albero e, al risveglio, si ritrovano in una vastissima radura con una casa al centro.

Decidono di passare la notte in quella che sembra essere una casa abbandonata. All’interno sono però presenti alcuni disegni e rappresentazioni di creature mostruose e persone che indossano maschere inquietanti dalle sembianze animalesche.

Si tratta del covo di un diabolico culto connesso alla leggenda metropolitana di Osso, Mastrosso e Carcagnosso, tre cavalieri spagnoli che fondarono le basi delle future organizzazioni italiane.

La notte dei mostri viventi

Titolo originale: Night of the living dead

Regia: Tom Savini

Anno: 1990

Durata: 88m

Poteva mancare nella classifica “10 film da vedere ad Halloween” una pellicola sugli zombie? Certo che no!

Johnny e Barbara Blair stanno andando a trovare la madre deceduta in un cimitero isolato dal resto del mondo. Dista ben 200 miglia dalla cittadina più vicina. Di fronte alla lapide della madre, i due fratelli vengono aggrediti da alcuni uomini dal volto tumefatto e dalle movenze inusuali.

La vicenda continua a complicarsi sempre di più a causa del numero degli zombie, finchè non fa la sua comparsa un personaggio misterioso.

Gravity: un meraviglioso documentario National Geographic! [RECENSIONE]

Tue, 29 Sep 2020 04:10:11 +0000

Gravity: un documentario National Geographic sotto la maschera di un film

Titolo originale: Gravity

Anno: 2013

Durata: 92m

Regia: Alfonso Cuarón

Genere: Fantascienza, Thriller

Cast: Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris…

Gravity è il fiore all’occhiello di Alfonso Cuarón, un grande regista che già anni prima aveva iniziato ad esporre la propria bravura in pellicole assai note e popolari come Harry Potter- il prigioniero di Azkabam (a mio giudizio, il miglior film di HP), Uno per tutte, Y tu mama Tabien…. e finalmente Gravity, il capolavoro che ha definitivamente lanciato Cuarón nell’Olimpo dei registi più apprezzati e con il quale, il regista messicano, si è portato a casa la bellezza di 7 premi oscar su 10 candidature; incassando oltre 700 milioni di $ (con un badget di “soli” 100 milioni).

L’ultima pellicola del regista messicano, traSmessa sul mercato è “Roma“, un altro grandissimo film che tratteremo negli articoli successivi.

Trama

L’ingegnere biomedico Ryan Stone (Sandra Bullock) e l’astronautaMatt Kawalsky(George Clooney) vengono mandati nello spazio per aggiustare il telescopio Hubble.

Sandra Bullock nei panni di Ryan Stone

Durante la missione vengono avvisati dal quartier generale di un missile russo che, colpendo un vecchio satellite fuoriuso, ha generato una catena di detriti che si muove ad altissima velocità.

Mentre l’equipaggio cerca di tornare in fretta e furia all’Explorer, alcuni detriti danneggiano lo Shuttle e il telescopio, uccidendo alcuni membri del team.

George Clooney nei panni di Matt Kawalsky

L’unica speranza di sopravvivenza per la dottoressa Ryan e per l’astronauta Matt è quella di raggiungere l’ISS, la stazione spaziale internazionale, distante qualche km dal telescopio Hubble.

Analisi

Gravity è un film mozzafiato, un grande sci-fi che -un pò come per Revenant– cerca di parlare e trasmettere emozioni tramite il reparto visivo, trascurando (non troppo) i dialoghi che risultano essere (pochi), lineari ma diretti.

Paesaggi mozzafiato, accompagnati da una colonna sonora felpata

Le spettacolari e incantevoli ambientazioni, che per forza di cose sono state realizzate totalmente al computer, vengono accompagnate da una colonna sonora prettamente silenziosa ma che riesce perfettamente ad avvolgere ed immergere lo spettatore nel tenebroso universo, trasmettendo quel senso di claustrofobia e solitudine tipico dei film del genere.

Colonna sonora che riesce ad adattarsi perfettamente anche alle docili inquadrature, suonando quando necessario e zittendosi nei momenti adeguati. Sono proprio questi momenti di “vuoto” a dare una marcia in più al sonoro di Steven Price, permettendo cosi allo spettatore di sentirsi parte del cosmo stesso.

Inquadrature che cullano lo spettatore nel cosmo

Sensazione che viene altamente accentuata da inquadrature morbide, dotate di movimenti di camera superbamente millimetrici e lineari che cullano lo spettatore durante la spettacolare visione del pianeta Terra da una prospettiva differente dal solito. Caratteristica che ha reso queste inquadrature talmente interessanti è sicuramente l’ausilio di lunghi piani sequenza, intere clip (in gravity si parla di clip di 15/20 minuti) girate interamente e montate senza alcun taglio, che permettono una maggiore immersività, aumentando non di poco l’attenzione dello spettatore.

Sul comparto fotografico invece, è presente il grandissimo e impeccabile Emmanuel Lubezki, che ha già collaborato con Cuarón in progetti passati e ci ha deliziato con la sua maestosa fotografia in Revenant-Redivivo (trovi qui la recensione).

Emmanuel Lubezki

Come sempre, il direttore della fotografia ha svolto in maniera impeccabile il suo ruolo, aiutando a ricostruire in CGI , nella maniera più naturale e reale possibile, dei dettagli microscopi, dettagli che possono essere colti solamente da un occhio allenato, un occhio fotografico.

Sono proprio questi piccoli dettagli a fare la differenza in Gravity ma soprattutto che hanno permesso a Lubezki di portarsi a casa l’ennesima statuetta dell’Academy.

Gravity o Interstellar?

Molto spesso, la pellicola di Cuaron, è paragonata a Interstellar di Christopher Nolan (leggi la recensione qui).

La principale differenza è che la pellicola messicana, in soli 90 minuti, riesce a descrivere quello che la pellicola americana fa in ben 169 minuti.

Una scena di "Gravity"

Gravity infatti appare come un film conciso, diretto verso una meta ben stabilita; mentre il film di Nolan si dilunga (tralasciando gli intrecci temporali tipici del regista), cercando di inquadrare anche i momenti prima della partenza per lo spazio e concentrandosi di più sul lato emotivo e umano.

Gravity: una sceneggiatura semplice e lineare

Questo è dovuto principalmente alla semplicità della trama e della sceneggiatura di Gravity che segue sempre un ordine cronologico. A dire la verità, proprio se vogliamo fare i puntigliosi, per quanto riguarda la stesura della sceneggiatura si poteva fare qualcosina di più, soprattutto per alcuni dialoghi che talvolta sembrano fuori luogo e quindi poco credibili (soprattutto quelli a inizio pellicola).

Una scena di "Gravity"

Ma basta pensare che (quasi) tutto il film ruota esclusivamente attorno a 2 figure: Sandra Bullock (Ryan Stone) e George Clooney (Matt Kawalsky) per farsene una ragione.

Considerazioni finali

In conclusione, Gravity, è una validissima produzione che vanta un reparto tecnico pauroso e che, dopo anni, ha dato una svolta nel campo del cinema sci-fi, diventando uno dei film più amati e ricordati dagli appassionati del genere. Un film da non perdere!

Curon: la deludente serie ambientata nell'Alto Adige [RECENSIONE]

Mon, 21 Sep 2020 04:10:11 +0000

Trama

Dopo vari litigi con il marito, Anna decide di abbandonare Milano insieme ai suoi figli, Mauro e Daria per recarsi nella sua cittadina natia: Curon. Quì incontra suo padre Thomas che, pur se inizialmente gli nega la possibilità di rimanere nell’inquietante hotel di famiglia, decide di ospitare la figlia e i nipoti. Il soggiorno dei 3 risulta essere tutt’altro che tranquillo: sembra infatti che la famiglia Raina sia coinvolta in una misteriosa maledizione che, in qualche modo, risulta essere collegata al passato e al campanile sommerso.

Analisi

Per questa recensione voglio essere il più schietto e diretto possibile: Curon è tutto tranne che una buona serie tv! Be si, a malincuore devo ammettere che Curon è stata una grandissima delusione, l’ennesima occasione sprecata targata made in Italy.

Un thriller NON molto thriller

Nonostante dai minuti iniziali sembra di trovarsi difronte a una serie valida, del genere dark/mistery, basta proseguire con la visione per rendersi subito conto della scarsità della sceneggiatura: sceneggiatura che presenta solamente sulla carta gli elementi tipici dei dark thriller.

Questo è il problema che si presenta quando troppe menti collaborano ad uno stesso progetto: un’accozzaglia indecisa e confusa di idee solamente abbozzate e per nulla rifinite. Basta questo per descrivere in poche parole la sceneggiatura di Curon.

Come ben sapete il cuore pulsante dei thriller è la capacità di riuscire a mantenere alta l’attenzione tramite l’ausilio della suspance, della tensione…. Ecco, in Curon tutto questo è praticamente assente: il mistero, che dovrebbe fungere da pilastro portante, viene svelato troppo presto riducendo notevolmente la suspance e quindi l’attenzione dello spettatore.

Anche la colonna sonora (fondamentale), che il più delle volte risulta essere indecisa e poco pertinente, non aiuta per nulla a far crescere nello spettatore la voglia di scoprire il seguito e rimanere incollato allo schermo. Per non parlare delle inquadrature tremolanti (soprattutto negli episodi iniziali) , manco fosse usata una steadicam dei cinesi! Verso la fine della serie, il cambio di regia è evidente: le inquadrature, oltre ad essere più stabili, sono accompagnate da movimenti di camera più dolci e precisi.

Ambientazioni fantastiche, fotografia ottima, recitazione discreta

L’unica cosa che va a richiamare in maniera a dir poco perfetta ed eccezionale gli elementi tipici del dark thriller è la location, le fantastiche e misteriose ambientazioni di Curon Venosta (basta pensare solamente al campanile semisommerso nel lago di Resia), un paesino in provincia di Bolzano. Si tratta infatti di una location suggestiva, misteriosa, cupa e quindi praticamente PERFETTA per questo genere di serie.

Nota positiva anche per quanto riguarda la fotografia che, grazie alle tinte fredde con una leggera tendenza sul verde/azzurro, funge quasi da cornice alle spettacolari e tenebrose ambientazioni dell’alto Adige. Ambientazioni dall’elevatissimo potenziale che, come già accennato, non sono state per niente sfruttate dalla produzione.

Consapevoli del basso livello di suspance che la pellicola avrebbe trasmesso allo spettatore, la produzione ha deciso -come se non bastasse- di rendere misteriosi anche i dialoghi che risultano essere, il più delle volte, irreali e troppo discordanti dal contesto precedentemente presentato.

Bravi invece sono stati i giovani attori che, pur non avendo recitato in maniera perfetta, hanno fatto un buon lavoro nell’interpretare il proprio personaggio. Tra i giovani attori spicca sicuramente Margherita Morchio che ha interpretato Daria, Federico Russo, nei panni di Mauro e soprattutto Luca Castellano che ha interpretato con gran carisma la misteriosa e inquitante figura di Lucas.

I temi trattati

Uno dei temi trattati dalla pellicola italiana è la dualità dell’animo umano che viene rappresentata ideologicamente tramite la metafora dei due lupi, la leggenda di Cherokee del lupo bianco e del lupo nero:

Ci sono due lupi in ognuno di noi. Uno è cattivo e vive di rabbia, odio, gelosia, invidia, risentimento, falso orgoglio, bugie, egoismo. L’altro è buono e vive di pace, amore, speranza, generosità, compassione, umiltà e fede. I due lupi lottano dentro di noi. Sai quale vince alle fine? Quello a cui tu dai da mangiare.

Sul piano grafico invece, la dualità viene rappresentata tramite dei veri e propri cloni in carne ed ossa che differiscono dall’originale solamente per il modo di pensare. Personalmente mi piace molto questa questa idea ma non il modo in cui è stata rappresentata che risulta troppo “casuale” e inspiegabile (infatti non si conosce il vero motivo per cui compaiono i cloni). Si poteva fare di meglio… spero in qualche delucidazione in un’eventuale seconda stagione.

Accanto al tema a dualità troviamo molti altri temi (fin troppi) che, vanno a mescolarsi creando NON poca confusione nella mente dello spettatore. Tra gli altri temi trattati troviamo sicuramente i rapporti familiari (da come si è potuto vedere dagli unici e gradevoli flashback sul passato di Anna), numerosi temi adolescenziali quali l’alcool, la droga; la lotta tra male e bene…

Considerazioni finali

Concludendo penso che Curon sia una serie meno che mediocre, un thriller che può essere definito tutto tranne che come tale, con una sceneggiatura praticamente inesistente e una regia troppo confusa. Della pellicola italiana le uniche cose a salvarsi sono le meravogliose ambientazioni, l’ottima fotografia e la recitazione di alcuni attori emergenti… per tutto il resto è un NO secco. Un vero peccato!

Recensione “47 metri”: il solito Shark-Movie?

Mon, 14 Sep 2020 04:10:11 +0000

“47 metri” è un film di Johannes Roberts del 2017, disponibile su Netflix e che durante quest’estate ha anche preso posto nella top 10 settimanale della piattaforma attirando l’attenzione di molti utenti.

Questo Thriller, della durata di 87 minuti, potrebbe essere l’ideale per un pomeriggio noioso o se si è alla ricerca di qualcosa di diverso… ma se state cercando un film con una trama ben strutturata e ben fatto, non fa per voi.

Trama

Dopo essere stata mollata dal suo ragazzo Lisa decide di intraprendere un viaggio in Messico insieme alla sorella, per cercare di riflettere e magari ritornare in modo diverso a casa per riconquistare il suo ex che la definiva noiosa. Dopo aver fatto amicizia con due ragazzi della zona, Lisa e Kate accettano l’offerta da parte dei due di un immersione in gabbia per ammirare gli squali da vicino. Lisa all’inizio è un po’ turbata dall’esperienza ma la sorella riesce a tranquillizarla.

Poco dopo l’immersione, il cavo che mantiene la gabbia si spezza facendole sprofondare a 47 metri di profondità in acque infestate da squali, con una riserva di ossigeno per soli 60 minuti.

Analisi

Secondo me l’idea della trama sarebbe potuta essere buona, in quanto diversa rispetto ai soliti “shark-movie”, ma è stata sviluppata male, con molti buchi e a mia detta con un ritmo troppo veloce, sorvolando la caratterizzazione di praticamente tutti i personaggi e non approfondendo più di tanto la storia delle ragazze, passando direttamente alle scene in mare. Il che sarebbe anche potuto essere un punto a favore, perché alla fine le scene che ci tengono attaccati allo schermo sono quelle di azione e di paura, ma secondo me anche quest’ultime sono state scritte male con molte scelte banali e prevedibili, facendo perdere quello che è il senso di un thriller del genere.

Considerazioni finali

Tirando le somme, il film non è del tutto pessimo, in quanto gli effetti speciali sono ben fatti e la durata non è eccessiva. Però secondo me avrebbe potuto avere del potenziale se non ci fossero stati errori banali di scrittura, che si possono facilmente notare durante la pellicola, riguardanti i movimenti dei personaggi nell’acqua che a volte sono troppo rapidi e non seguono un filo logico oppure ad esempio il contatore dell’ossigeno che viene mostrato varie volte senza portare un conto effettivo sensato, scendendo d’un tratto rapidamente oppure rimanendo sempre uguale per scene lunghissime.

Sono comunque errori che si notano durante la visione, ma che ai fini della visibilità non sono un grande problema, ma se ci soffermiamo un attimo a rifletterci notiamo che non hanno molto senso.

E’ stata anche annunciata l’uscito del sequel che ci riporterà ad affrontare i pericoli dei fondali marini, che noi ovviamente vedremo e apprezzeremo parlandone con voi.

Spero che con questa breve introduzione abbia catturato la vostra curiosità, e vi invito a vedere il film , in modo che possiate dare anche voi la vostra opinione, in quanto questo è comunque un mio parere personale.

Inception: un action-thriller tra sogni e realtà [RECENSIONE]

Sat, 27 Jun 2020 04:10:11 +0000

Trama

Dominic Cobb (Leonardo di Caprio) è un ladro, ma non un ladro qualunque: grazie ad un apposito apparecchio, è capace di infiltrarsi nei sogni altrui ed estrapolare informazioni preziose. Dopo essere stato accusato della morte di sua moglie e costretto quindi ad abbandonare i suoi figli in cerca di un posto sicuro, riceve la proposta di un nuovo lavoro che gli avrebbe permesso di ritornare finalmente a casa. Il lavoro affidatogli però sembra essere più complicato del previsto: Cobb non dovrà rubare informazioni dalla mente degli altri come ha sempre fatto, bensì dovrà innestarvi una nuova idea in modo tale da influenzare le scelte future.

Analisi

La figura di Christopher Nolan è diventata quasi un re mida: qualunque cosa tocchi, sembra diventare oro. Ebbene si, dopo la vittoria di 2 premi oscar grazie al Cavaliere Oscuro, uscito nelle sale cinematografiche ben 12 anni fa; grazie a Inception il regista si è portato a casa altri ben 4 oscar (oscar alla miglior fotografia, al miglior montaggio sonoro, ai migliori effetti speciali e miglior sonoro).

Effettivamente Inception mi ha colpito, e non poco! Partiamo dal fatto che adoro i film complessi, film dove bisogna sbattere la testa per capirci qualcosa. Di fatto nella prima mezzora del film si capisce molto poco: tra sogni e realtà ci si perde facilmente.

Per ovviare a questo problema, i protagonisti sono dotati di un apposito gadget -detto Totem- che gli permette di capire se si trovano nel mondo delle idee o nel mondo reale.

I totem

Il totem di Cobb è una trottola: se una volta lanciata continua a ruotare all’infinito, ci si trova in un sogno; se dopo un po’ si ferma, ci si trova nel mondo reale. Per quanto riguarda quest’ultimo, a dire la verità, vi sono diverse controversie in quanto si crede che il suo vero totem sia l’anello nuziale.

Effettivamente, se si pone un po’ di attenzione, si può notare che l’anello non è sempre presente all’anulare dell’attore. Altro motivo che avvalorerebbe la tesi è il fatto che la trottola era il totem di Mal, la defunta moglie di Cobb e, da quanto affermato nella pellicola, nessuno dovrebbe toccare il totem altrui.

Il totem di Arthur e' un dado truccato, quello di Saito un tappeto, Ariadne usa un alfiere mentre Eames una fiche da poker.

Una trama complessa con una sceneggiatura quasi perfetta

Nonostante la trama di Inception sia apparentemente semplice (sulla carta), vi posso assicurare che difficilmente riuscireste a cogliere tutti i dettagli in una singola visione. Effettivamente, il capolavoro di Christopher Nolan è una matrioska composta da sogni concentrici, atti di spionaggio, mondi onirici che si modificano davanti ai vostri occhi, scale di Penrose, architetti dei sogni… Nonostante ciò, la pellicola statunitense, risulta essere perfettamente bilanciata: nonostante la trama sia relativamente difficile da comprendere, proseguendo con la visione i pezzi combaceranno come un puzzle.

Ma non basta! Quando finalmente si crede di aver capito tutto del film, ecco che ci compare dinanzi il finale, un finale aperto che ha creato non pochi dubbi nello spettatore: COS’È REALMENTE REALE E COSA NON LO È? Un finale che a parer mio è stato praticamente perfetto per concludere un capolavoro del genere.

Il vero punto di forza di Inception, oltre alla mente folle di Nolan, consiste nella sceneggiatura quasi perfetta ed originale: è innegabile dire che Nolan ha fatto un lavoro egregio nel rappresentare il più chiaramente possibile le proprie idee. Con questo naturalmente non nego ciò che ho detto prima, ovvero che Inception è un film complesso e articolato perché di fatto lo è, ma è proprio questo ciò che Nolan ha voluto ed è riuscito a rappresentare.

Non si può negare neanche l’originalità della sceneggiatura: dove si sono mai visti architetti di sogni, estrattori, proiezioni oniriche ecc…??

Inception: tra Wally Pfister, Hans Zimmer, Andrew Lockley, e Chris Corbould

A districare la complessità della sceneggiatura, oltre ai totem, accorre in aiuto la fotografia, dove compare il celebre nome di Wally Pfister. Si tratta di una fotografia flessibile che si adatta ai vari “livelli di sogno” e il più diversificata possibile per cercare di inquadrare al meglio il livello in cui ci si trova. Devo ammettere che la fotografia, insieme alle ambientazioni complementari, hanno un ruolo essenziale per non diventare folli all’interno di questa impensabile opera. Credo che non servano altre parole per definire la fotografia di Wally Pfister- d’altronde ha vinto l’oscar per la miglior fotografia!- che oramai collabora con Nolan da anni.

Fotografia che viene accompagnata da una fantastica colonna sonora profonda, cupa e misteriosa (sembra di trovarsi effettivamente in un sogno) realizzata dal titano Hans Zimmer. Per la realizzazione di quest’ultima, il compositore,si è ispirato alla canzone francese: “Non, je ne regrette rien” diventata ormai simbolo della pellicola “nolaniana”. Effettivamente, come dichiarato da Hans stesso, la soundtrack di Inception è una versione rallentata e modificata del brano francese.

Ho poco da dire anche per quanto riguarda gli effetti speciali: sono strabilianti, perfetti ma soprattutto super adatti a ciò che il regista ha voluto rappresentare.

Effettivamente Nolan sembra voler sfidare le leggi della fisica: tra piani stradali perpendicolari, intere città che si sgretolano senza una reale causa e set rotanti, Nolan ha davvero superato sé stesso.

A questo punto non posso non parlarvi di una delle scene più belle dell’intero film (forse i veri intenditori avranno già capito di cosa parlo): in questa scena viene raffigurato Arthur (Joseph Gordon-Levitt) combattere, a gravità 0 in un corridoio rotante. Il bello di questa scena è il realismo che trasmette perchè il regista ha preferito non utilizzare la CGI ma, ricreare da 0 una struttura rotante… PAZZESCO!

Un cast formidabile e la mania per i dettagli

Come da previsione, anche il cast è impeccabile. Di sicuro spunta la figura di Leo DiCaprio nei panni di Cobb, Ellen Page che interpreta Ariadne, Cillian Murphy nei panni di Fischer, Tom Hardy, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt (Arthur) ed infine Ken Watanabe nei panni di Saito… Inoltre, all’interno del cast compare anche Magnus Nolan, figlio del regista stesso che ha interpretato James. Clicca qui se vuoi vedere il cast completo.

La minuziosa cura dei dettagli che Nolan ha avuto durante la stesura e la registrazione stessa di Inception è più che evidente. In particolare possiamo notare che, prendendo le iniziali dei protagonisti (Dom, Robert, Eames, Arthur, Mal, Saito) si forma la parola DREAMS, che significa sogni. Inoltre, aggiungendo le iniziali di alcuni personaggi secondari, otteniamo la parola DREAMS PAY che tradotto significa: i sogni pagano… Ma questa è soltanto una della tante curiosità riguardanti Inception!

Conclusione

Concludendo penso che Inception sia un film eccezionale, un grande rompicapo che tutti dovrebbero provare a risolvere almeno una volta nella vita.

Dunkirk: un war movie particolare ma splendido [RECENSIONE]

Sun, 14 Jun 2020 04:10:11 +0000

Trama e storia

Come da titolo, il war-movie di Christopher Nolan tratta la miracolosa operazione Dynamo avvenuta tra 27 maggio e il 4 giugno del 1940 sulle coste di Dunkerque, durante la quale circa 338.226 soldati alleati vennero portati in salvo. Quando le truppe alleate, costrette ad indietreggiare fino alla Manica vennero circondate dai soldati tedeschi, l’unica possibilità di salvezza per circa 1 milione di soldati alleati era fuggire via mare verso l’Inghilterra.

Analisi

Il paradosso spazio-tempo di Christopher Nolan

L’intera operazione viene raccontata da ben 3 punti di vista differenti, ambientati in diverse linee temporali: cielo, terra e mare. In cielo -della durata di 1 ora- il protagonista è Farrier (Tom Hardy) che, a bordo del suo spitfire, cerca di abbattere gli aerei nemici; sulla terraferma -della durata di 1 settimana-troviamo il soldato Tommy e il plotone del British Army; mentre in mare -della durata di 1 giorno- il protagonista è il volontario Mr. Dawson (Mark Rylance) che, insieme a suo figlio e ad un suo amico, partono dalle coste britanniche con una piccola imbarcazione.

Non posso non citarvi l’eccellente montaggio (ha vinto l’oscar al miglior Montaggio) realizzato da Lee Smith che è riuscito a far combaciare alla perfezione le 3 linee temporali, facendo sembrare che le varie vicende siano avvenute contemporaneamente.

Nonostante sia ben esplicitata e comprensibile la linea temporale che si sta osservando, la suddivisione del tempo può creare un po’ di confusione -soprattutto all’inizio- ma, verso la fine, tutti i pezzi combaceranno come un puzzle. D’altronde Nolan è un vero maestro nel riuscire a rappresentare chiaramente situazioni relativamente complesse ed articolate.

Farrier

Una piccola nota negativa devo farla per quanto riguarda la suddivisione del tempo sulla terraferma: nonostante le vicende del soldato Tommy si svolgano nell’arco di 1 settimana, il tempo trascorso sembra molto di meno.

Un nemico invisibile

Tommy

Un particolare di questo film è il fatto che il nemico non viene mai inquadrato (a parte gli aerei della Luftwaffe), quasi come se il tempo stesso fosse il vero nemico, un nemico molto più potente degli altri. Personalmente apprezzo questa scelta stilistica in quando permette di concentrarsi al meglio sull’operazione di salvataggio (tralasciando quindi i combattimenti fra i 2 schieramenti) ma soprattutto pone la colonna sonora su un piano sovrastante.

Mr. Dawson

Colonna sonora strabiliante: emozioni facili

Di fatto è proprio la colonna sonora -realizzata da Hans Zimmer – a fare la differenza (ha vinto l’oscar al miglior sonoro e al miglior montaggio sonoro): i dialoghi molto minimali e diretti sono accompagnati da una colonna sonora da brividi, un sonoro assillante che mantiene costante quel senso di angoscia che si prova per tutta la durata di Dunkirk.

Senso che viene accentuato dall’ottima fotografia di Hoyte van Hoytema, in cui dominano colori cupi e drammatici, dalle scene claustrofobiche così come dall’utilizzo della tecnologia iMax 70 e 65 mm che permette un’immersività praticamente totale: lo spettatore sembra di trovarsi effettivamente sul campo di battaglia.

Come ho detto prima, Nolan ha preferito concentrarsi sui fatti accaduti, pertanto dei personaggi si sa veramente molto poco e quindi difficilmente ci si affeziona; anche perché i dialoghi sono veramente super minimal e talvolta sostituiti da drammatiche inquadrature.

Un cast acerbo ma funzionale

Nonostante ciò voglio darvi comunque qualche informazione riguardante il cast, composto principalmente da giovani attori: troviamo Harry Styles nei panni di Alex, Cillian Murphy, conosciuto soprattutto per il ruolo di Tommy Shelby in Peaky Blinders, Tom Hardy che interpreta Farrier, Fionn Whitehead (Tommy), Jack Lowden, Mark Rylance nei panni di Mr. Dawson…

Non nego che una caratterizzazione migliore dei personaggi avrebbe reso Dunkirk più interessante.

Per concludere questo capolavoro, non poteva mancare una scena drammatica e commovente che vede come protagonista, parte del celebre discorso – We Shall Fight on the Beaches – pronunciato da Winston Churchill il 4 giugno 1940:

«Ho, io stesso, piena fiducia che se tutti faranno il loro dovere, se nulla verrà trascurato, e se saranno prese le decisioni migliori – come sono prese – ci dimostreremo ancora una volta in grado di difendere la nostra isola, di cavalcare tempesta della guerra e di sopravvivere alla minaccia della tirannia, se necessario per anni, se necessario da soli. Ad ogni modo, questo è ciò che tenteremo di fare. Questa è la decisione del governo di Sua Maestà, all’unanimità. Questa è la volontà del Parlamento e della nazione. L’impero britannico e la Repubblica francese, uniti nella causa e nei bisogni, difenderanno fino alla morte il loro territorio natio, aiutandosi a vicenda come buoni compagni con il massimo delle forze. Anche se ampie parti dell’Europa e molti Stati antichi e famosi sono caduti o potrebbero cadere nella morsa della Gestapo e di tutto l’odioso apparato del dominio nazista, noi non desisteremo né abbandoneremo. Andremo avanti fino alla fine. Combatteremo in Francia, combatteremo sui mari e gli oceani, combatteremo con fiducia crescente e con forza crescente nell’aria, difenderemo la nostra isola a qualunque costo. Combatteremo sulle spiagge, combatteremo nei luoghi di sbarco, combatteremo nei campi e nelle strade, combatteremo sulle colline, non ci arrenderemo mai; e se, cosa che non credo neanche per un momento, quest’isola o gran parte di essa fosse soggiogata e affamata, allora il nostro impero d’oltremare, armato e guidato dalla flotta britannica, continuerà la lotta fino a quando, se Dio vorrà, il Nuovo Mondo, con tutta la sua forza e potenza, si muoverà al salvataggio e alla liberazione del vecchio.»

– Winston Churchill

Parasite: un capolavoro inaspettato [RECENSIONE]

Fri, 12 Jun 2020 04:10:11 +0000

Il 7 novembre 2019 fa la sua apparizione sul grande schermo italiano, Parasite, il capolavoro diretto da Bong Joon-ho. Dopo aver vinto la palma d’oro come miglior film al festival di Cannes, nel 2020 è stato il vincitore di ben 4 premi oscar ( su 9 ) (miglior film, miglior film in lingua straniera, miglior regia, miglior sceneggiatura originale) , oltre ad altri numerosi premi come il David di Michelangelo, Golden Globe, Cesar e Independent Spirit Awards 2020 per “Miglior film straniero”, 2 premi BAFTA, 2 Critics Choice Award 2020, SAG…

Cosa potremmo dire di questo film se non che è un vero capolavoro? Ora però facciamo un passo indietro, partendo dalla trama.

Titolo originale: “기생충, Gisaengchung”

Regia: Bong Joon-ho

Anno: 2019

Durata:132 MIN

Paese:Corea del sud

Genere:thriller, drammatico, commedia

Trama

Il protagonista di questa produzione è la famiglia Kim, una famiglia povera che si guadagna da vivere assemblando i cartoni delle pizze. Tutto ciò finché Ki-woo, il figlio maschio, non riceverà la proposta di diventare insegnante di inglese per la figlia di una famiglia ricca, i Park. Da questo momento in poi, Ki-woo ideerà di tutto e di più per cercare di porre fine alla drammatica situazione economica che infligge la sua famiglia.

Analisi

Partiamo dalla caratteristica peculiare di questa pellicola: nonostante lo stesso regista definisca la sua opera una commedia, è difficile comprendere realmente il genere cinematografico adottato in quanto, Bong Joon-ho è riuscito a fondere con una maestria rara, realtà molto discostanti fra loro. Di fatto troviamo elementi tipici della commedia, dei thriller, dei mystery, dei drammi, note di black humor così come tratti altamente grotteschi… Quindi potremmo definire Parasite come un film completo, un film a 360° bilanciato alla perfezione.

Le due facce della stessa medaglia

Altra caratteristica che sicuramente ha contribuito a rendere famosa la pellicola asiatica, attribuendole una nota di umanità, è il tema trattato : il divario sociale tra ricchi e poveri che purtroppo persiste tuttora. Un divario analizzato e studiato nei minimi dettagli che viene accentuato da due punti di vista differenti.

La famiglia Kim

Di fatto potremmo immaginare Parasite come una medaglia: da una parte troviamo la famiglia Kim, una famiglia stanca oramai di vivere in un sottoscala ma attenta alle vicende quotidiane; dall’altra parte, la famiglia Park una famiglia snoob, ipocrita e amante del lusso ma poco attenta ai dettagli della vita di tutti i giorni. La bravura del regista è stata proprio nel cercare di fondere queste due facce distinte e separate e, devo dire che ci è riuscito alla grande!

La precaria situazione dei Kim è ben descritta e rappresentata minuziosamente nei minuti iniziali, durante i quali, possiamo notare l’intera famiglia intenta ad assemblare cartoni per pizze ed in particolare Ki-woo (il figlio) e Ki-Jung (la figlia) che cercano di collegarsi al wi-fi del vicino. Dei minuti iniziali, mi hanno colpito principalmente 2 scene che permettono inquadrare al meglio la situazione economica della famiglia protagonista.

Ki-Woo e Ki-Jung cercano di collegarsi al wifi del vicino

Nella prima scena Min, il migliore amico di Ki-Woo, regala ai Kim una pietra ornamentale che inizialmente viene ben accettata dalla famiglia (soprattutto da Ki-Woo e da suo padre) ma, la scena si conclude con la frase sfacciata “Ma del cibo era meglio”. Ciò sottolinea per l’ennesima volta le condizioni della famiglia: una famiglia talmente povera da riuscire a stento a procurassi il cibo per vivere.

Nella seconda scena invece, vengono inquadrati dei disinfestatori nell’atto di spruzzare del veleno e, Ki-taek (il padre) decide di lasciare aperte le finestre affermando che una disinfestazione gratuita può far comodo.

La famiglia Park

I Park invece appaiano completamente l’opposto: vivono in un enorme villa, non si preoccupano di sprecare cibo risultando di essere pochi umani, tanto da licenziare senza alcun rimorso la donna delle pulizie che aveva lavorato in quella casa per anni; semplicemente per raggiungere il meglio, la perfezione.

Inoltre, la disparità sociale viene ripresa anche nella copertina del film dove compare la scritta “trova l’intruso”, quasi come se non si stesse parlando di persone ma, di qualcosa di inferiore.

Un mix vincente di generi e stili completamente diversi

Nei minuti successivi si entra nel vivo della trama che trova le sue fondamenta nei vari sotterfugi necessari all’ascesa sociale dei Kim. Sarà proprio grazie ad essi che l’intera famiglia povera si ritroverà a lavorare per i Park, riuscendo a guadagnare un bel po’ di soldi (come dei parassiti che riescono a sopravvivere grazie ad altri individui).

Tutto scorre liscio finché non compare un gran colpo di scena che va quasi a ribaltare l’idea che si è fatta del film nei minuti precedenti. Di fatto non si riesce a capire che tipo di film si sta guardando ma soprattutto verso che direzione voglia puntare il regista. Ciò non è assolutamente un punto negativo anzi, riuscire a “camuffare” il prosieguo in modo così raffinato è sicuramente un grande punto di forza in quanto si viene a creare l’opportunità di inserire molti colpi di scena che contribuiscono sicuramente ad aumentare quel perenne senso di “ansia” e desiderio di scoperta che si prova nei minuti finali.

Climax: scelta vincente

Ciò è accentuato soprattutto da come è stato scritto Parasite: un grande climax che si estende praticamente per l’intera durata della pellicola fino ad esplodere nel finale. Un finale amaro, inaspettato che a primo impatto potrebbe sembrare estremo (si, un po’ lo è) ma che in realtà è funzionale alla trama stessa, soprattutto a quella nota di black humor che compare circa a metà pellicola.

Con questo NON voglio affermare che il finale di Parasite è perfetto, ma credo che sia stata una scelta quasi forzata per rimanere in linea con la trama stessa (quasi come se fosse la giustificazione del black humor presente) ma soprattutto con questo climax perenne che è il vero punto di forza della pellicola coreana.

Si tratta di un climax flessibile che, adattandosi alla perfezione ai vari “generi cinematografici” presenti, alle ambientazioni, al sonoro e alla fotografia è la principale fonte di angoscia che si prova per tutta la durata del film.

Altra cosa che mi è piaciuta è la presenza di un narratore esterno che, riesce a dare una sorta di prospettiva alla pellicola. Anche la caratterizzazione dei vari personaggi è davvero ottima così come l’interpretazione di tutti gli attori: sono ben distinguibili e distinte le personalità di ognuno. La fotografia, così come il sonoro si flettono per adattarsi alla perfezione ai vari generi e stili, riuscendo a dare maggiore uniformità e successione al tutto.

Considerazioni finali

Concludendo credo che Parasite sia stato una vera rivoluzione in campo cinematografico in quanto ha dimostrato come, elementi fortemente discordanti fra loro ma soprattutto generi differenti, possano coesistere dando vita a una pellicola molto interessante, ricca di colpi di scena ma soprattutto umana. Un’opera che quindi riesce a far leva nei sentimenti dello spettatore.

“Dangerous Lies”: Il Thriller fallito di Netflix!? [RECENSIONE]

Mon, 08 Jun 2020 04:10:11 +0000

Oggi parliamo del recente Thriller originale Netflix diretto da Michael Scott, sto parlando di “Dangerous Lies”.

A prendere parte alle riprese vediamo una splendida Camila Mendes insieme a Jessie T. Usher.

Le riprese del film sono iniziate ad aprile 2019 per poi finire l’agosto dello stesso anno. E successivamente il film è stato pubblicato il 30 aprile dell’anno successivo.

La trama del film è stata un’ottima idea, che aveva del potenziale, ma a mio parere è stata sviluppata male, tirandone fuori un composto mediocre.

I protagonisti della pellicola sono Katie (Camila Mendes) e Adam (Jessie T. Usher.), una giovane coppia con problemi economici che fatica ad arrivare a fine mese.

Katie lavora come cameriera di notte mentre Adam studia, questo finché la tavola calda dove lei lavora viene rapinata mentre è in servizio.

Pochi mesi dopo, entrambi trovano lavoro aiutando un uomo anziano nelle sue faccende domestiche. Dopo poco tempo Leonard (il proprietario della casa), muore per “cause naturali”, e contrariamente a come si pensava, lascia il suo patrimonio a Katie, a cui si era affezionato molto, ma insieme ai soldi, lascia loro anche oscuri segreti che nascondeva da tempo.

Come già detto, secondo me la trama del film aveva del potenziale, sarebbe potuto essere un ottimo Thriller se solo fosse stato sviluppato meglio.

Almeno io ho trovato alcune parti moto lente e noiose, anche non necessarie ai fini della trama. Dico che non è stato sviluppato bene perché molte delle cose che vediamo sono prevedibili e già viste migliaia di volte, che sarebbero potute essere rappresentate in un modo più originale. Il tentativo di confondere lo spettatore su chi sia effettivamente il cattivo, è fallimentare, in quanto è palese fin da subito chi sia il vero nemico, questo secondo me è dato anche dal pessimo sviluppo dell’antagonista, come anche un po’ tutti i personaggi secondari.

In poche parole credo che il film non riesca ad intrattenere come dovrebbe, non dando la sensazione, l’ansia, che un thriller di questo genere dovrebbe dare.

Niente da dire invece sulle interpretazioni di tutto il cast, in particolare vediamo una fantastica Camila Mendes, che a mio parere potrebbe essere uno dei motivi per cui molti ragazzi decidano di vedere il film, immaginandosi la stessa Camila che vediamo nei panni di Veronica in Riverdale, rimanendo delusi dal suo ruolo completamente diverso, ma questa ovviamente non è una colpa in quanto ha interpretato il suo personaggio comunque in modo ottimo.

Che dire, tutto sommato il film non è così male, ma sarebbe potuto essere sicuramente migliore, ottimo da vedere a “tempo perso”, quando si scorre il catalogo dell’immensa piattaforma Netflix alla ricerca di qualcosa di eventualmente interessante.

Spero che con questa breve introduzione abbia catturato la vostra curiosità, e spero vediate il film, in modo che possiate dare anche voi la vostra opinione, in quanto questo è comunque un mio parere personale.

Recensione “Contagion”: la previsione di Soderbergh sul covid-19!?

Thu, 14 May 2020 04:10:11 +0000

Il film Contagion è riapparso sugli schermi dopo 9 anni dalla sua uscita, con un successo molto più grande rispetto al lontano 2011, a causa delle molte analogie con l’attuale pandemia mondiale Covid-19.

Molti lo vedono come una sorta di previsione cinematografica di Steven Soderbergh, che risulta incredibile da un certo punto di vista, ma anche molto spaventosa.

A parte l’attuale successo, io credo sia un gran film, con attori anche di un certo calibro, come: Matt Damon, Laurence Fishburne, Jude Law, Gwyneth Paltrow e Bryan Cranston.

Il film è apparso nelle sale cinematografiche il 9 settembre 2011.

Per renderlo il più reale possibile, Steven si è attenuto al parere di molti scienziati ed ha anche collaborato con il CDC (centri per la prevenzione e il controllo delle malattie).

TRAMA

La trama del film fu definita quasi “Fantascientifica” all’uscita del film: c’era la consapevolezza che un giorno sarebbe potuto effettivamente accadere, ma nessuno a quei tempi avrebbe mai immaginato che saremmo stati noi a doverla realmente affrontare.

Il film inizia con Beth Emhoff, interpretata da Gwyneth Paltrow che, dopo essere tornata da un viaggio ad Hong Kong, si sente male per vari giorni e viene successivamente trasportata d’urgenza in ospedale dove però non c’è più nulla da fare. All’inizio viene dichiarata morta a causa di una malattia sconosciuta, ma poco dopo, grazie a delle ricerche effettuate dal CDC, viene definita il paziente 0 della malattia chiamata MEV-1.

All’inizio, come è accaduto nella realtà, il virus viene sottovalutato, ma vista poi la velocità di trasmissione, a causa del contatto delle superfici contaminate dal virus con le mucose (occhi, naso, bocca), si decide di trattarlo con un livello di biosicurezza 4.

ANALISI

Analogie con “covid-19”

A mio parere è stato molto importante trasmettere questo film in Tv e mostrare a tutti quello che praticamente già si sapeva da anni, mi spiego meglio…

Credo che questo film debba far riflettere e non bisogna interpretarlo in modo sbagliato, questo perché quello che vediamo non è esattamente come quello che stiamo vivendo o che vivremo. Fortunatamente la percentuale di mortalità del COVID-19 è molto più bassa rispetto a quella del MEV-1, e anche la diffusione credo sia più rapida nel film.

Ma la cosa che deve far riflettere, è che molto tempo fa si era già a conoscenza di quello che sarebbe potuto accadere, e nel film ci vengono mostrati anche molti degli errori fatti dallo stato e dagli esperti specializzati nello studio della malattia, e nonostante ciò, molti paesi non si sono preparati ad affrontare un eventuale pandemia e hanno anche replicato alcuni degli errori che vediamo sullo schermo.

Un altro punto che mi spaventa, è come viene affrontata la questione del vaccino nel film, dove si vede che alcuni potrebbero anche dover aspettare anni prima di riceverlo, e credo sarà effettivamente così.

Quindi facendo il punto della situazione, il film potrebbe spaventare da alcuni punti di vista, ma anche rallegrare, in quanto si vede che la cura in quel caso viene trovata molto rapidamente.

CONSIDERAZIONI FINALI

Tralasciando le analogie con la realtà, come ho già detto, credo che il film sia ben fatto, con una trama importante e ben costruita, considerando anche il fatto che a quei tempi erano molti anni che non si verificava una situazione del genere.

Ottime, come sempre, le interpretazioni di tutti i grandi attori che hanno preso parte al film.

Spero che con questa breve introduzione abbia catturato la vostra curiosità, e spero vediate il film, in modo che possa stupirvi, ma anche farvi riflettere.

E mi raccomando, Buona Visione!!

TYLER RAKE: recensione del nuovo action thriller dei fratelli Russo! [RECENSIONE]

Tue, 05 May 2020 04:10:11 +0000

Dopo il grandissimo successo in campo Marvel dei fratelli Russo e di Chris Hemsworth, il trio si è ripresentato sul grande schermo con un nuovissimo action thriller distribuito da Netflix.

Sto parlando di Tyler Rake (Extraction), un film di azione basato sulla graphics novel “Ciudad”, scritta dagli stessi fratelli.

Trama

La trama è pressoché semplice: il mercenario Tyler deve salvare Ovi, il figlio del più grande trafficante di droga dell’India, rapito dal narcotrafficante del Bangladesh. L’estrazione però non è così semplice: si scopre infatti che Amir Asif (il rapitore) controlla praticamente tutta la città, oltre ad avere una grande influenza sulla stessa polizia.

Analisi

Il cuore pulsante di questo film sono sicuramente le scene di azione che vi permetteranno di rimanere incollati allo schermo senza mai annoiarvi. Esse sono realizzate divinamente, grazie a numeri focus e ottimi movimenti di camera che permettono di inquadrare al meglio il protagonista dai vari punti di vista, cogliendo magari ulteriori dettagli.

Fantastica anche l’interpretazione di Chris Hemsworth che, calandosi nel personaggio di Tyler, ha messo in mostra sfaccettature inizialmente ignote: pur sembrando un tipo freddo e dedito al lavoro, ci viene mostrato il alto nascosto del protagonista: Tyler appare infatti come il classico mercenario che vive con un dramma interiore e, non avendo ormai nulla da perdere, decide di rischiare la propria vita per salvare gli altri e accumulare denaro.

Pian piano il protagonista sembra infatti “aprirsi” mettendo in luce il vero sé: ne è prova il rapporto che pian piano si instaura con il ragazzo. Un po’ carente è la caratterizzazione dei personaggi secondari di cui non sappiamo quasi nulla ma, come avreste potuto capire, Tyler Rake tralascia alcuni elementi importanti come l’approfondimento psicologico, concentrandosi totalmente sulle scene d’azione.

Qualcosina in più si sarebbe potuta fare per i dialoghi: i pochi presenti infatti sono molto brevi e talvolta poco interessanti.

Per quanto riguarda le ambientazioni invece, ci viene mostrata una Dacca, dominata continuamente da una tonalità giallo/verde e con un cielo quasi sempre offuscato, che va ad inquadrare un città ormai malata e dilaniata dal crimine, una sorta di Gotham. Di fatto, un piccolo miglioramento possiamo riscontrarlo nelle scene finali dove, finalmente, questo cielo sembra rischiarirsi mostrandoci la luce del sole e creando inoltre un’accattivante affetto flare.

Considerazioni finali

Concludendo, Tyler Rake, mi è sembrato un prodotto valido che utilizza l’azione ma soprattutto l’adrenalina come un vero e proprio cuore pulsante, permettendosi così, di tralasciare aspetti importanti come la caratterizzazione dei personaggi secondari o l’approfondimento psicologico del protagonista. Nonostante ciò non preoccupo più di tanto perché, molto probabilmente, uscirà un prequel o un sequel dove spero vengano chiariti questi aspetti.

“Il buco” Netflix: l’Horror che vi dovrebbe far riflettere! [RECENSIONE]

Sat, 11 Apr 2020 04:10:11 +0000

Uno dei film horror/thriller più visti e discussi dell’ultimo periodo è sicuramene “Il buco”: Un film diretto da Galder Gaztelu-Urrutia. presentato per la prima volta in anteprima mondiale al Toronto International Film Festival il 6 settembre 2019.

Il film è stato distribuito per la prima volta nelle sale cinematografiche spagnole l’8 novembre 2019 ed in quelle hongkongesi il 6 marzo 2020, successivamente acquistato da Netflix, che lo ha poi reso pubblico in tutto il mondo il 20 marzo 2020, ed ha successivamente acquisito il suo attuale successo.

Il film è ambientato in una prigione verticale, dove ad ogni piano è presente una cella diversa, indicata appunto con il numero del piano corrispondente, e in ognuna sono presenti due detenuti. Tutte le stanze hanno un buco al centro, quindi in un certo senso le celle sono collegate, anche se i detenuti non comunicano tra loro, per motivi che poi scoprirete guardandolo.

Questo enorme “buco”, ovviamente ha uno scopo: ogni giorno per quest’ultimo passa una piattaforma piena di cibo, che è rifornita dalla cima: il “Piano 0”.

La piattaforma con il cibo si ferma ad ogni piano, dove i detenuti possono mangiare tutto quello che vogliono, ovviamente il cibo non basta per tutti i prigionieri, quindi più si scende, più il cibo diminuisce e rimangono solo gli avanzi, fino ad un certo livello dove i detenuti non trovano praticamente nulla.

Ogni mese, i due detenuti, se entrambi sopravvissuti, cambiano cella, quindi cambiano piano, nella speranza di trovarsi in una posizione più alta rispetto a prima per riuscire a mangiare qualcosa. Non viene spiegato se i cambi vengono fatti secondo un criterio, ma non credo, perché come vedrete nel film, alcune persone vengono poste anche per più volte di fila in piani bassissimi, quindi senza la possibilità di mangiare e costretti a morire di fame, o peggio, commettere atti orribili.

Il protagonista del film è “Goreng”, interpretato da Iván Massagué, che secondo me ha fatto un ottimo lavoro nel rendere, la bontà, ma successivamente anche la follia, del suo personaggio.

Goreng a differenza degli altri, è andato volontariamente a scontare 3 mesi nella fossa, in cambio di un attestato, ovviamente inconsapevole di ciò che lo aspettava.

Ogni Detenuto può portare con sé un oggetto a sua scelta durante la sua reclusione, Goreng, non sapendo cosa lo attendesse, decide di portare il libro “Don Chisciotte della Mancia”, che non si rivela del tutto inutile. La storia dunque è incentrata sui 3 mesi che Goreng ha trascorso nella fossa, dei quali ne ha fatti una missione, facendo anche inaspettatamente delle amicizie, che lo hanno aiutato a sopravvivere.

Ovviamente tutta questa storia ha anche un doppio senso, una morale, che secondo me può essere intesa come un’analogia tra la vita nella fossa e la vita reale. Nel “buco” viene fornito abbastanza cibo per tutti, ma le persone che sono più in alto non tengono conto di chi è sotto di loro, pensando solamente alla loro sopravvivenza, e non rimanendo cibo a chi ne ha più bisogno.

Questo ovviamente si riferisce alla disparità delle classi sociali, con l’idea di cambiare il corso delle cose e modificare un sistema ingiusto e da sempre uguale.

A mio parere questo è un film molto significativo che deve far riflettere, e anche ben fatto ovviamente, perché Netflix, come al solito, non ci delude mai.

Ma ovviamente ci sono anche dei lati negativi: per quanto il film sia ben fatto, secondo me, sia l’inizio che il finale, lasciano un po’ a desiderare.

Il finale è un po’ confuso, perché non viene spiegato effettivamente cosà accadrà una volta consegnato il “messaggio”, lasciando ipotizzare di un possibile prosieguo, cosa di cui ancora non si parla, e che non credo avverrà, perché non avrebbe molto senso.

Spero che con questa breve introduzione abbia catturato la vostra curiosità, e spero vediate il film, in modo che possa stupirvi, ma anche farvi riflettere.

Shutter Island: uno dei migliori thriller psicologici?

Mon, 06 Apr 2020 04:10:11 +0000

Questa volta è il turno di un piccolo capolavoro, uno dei miei film preferiti, in quanto, secondo me, rispecchia a pieno il suo genere e rende molto bene la misteriosità e l’oscurità della trama.

Titolo originale: Shutter Island

Regia: Martin Scorsese

Anno: 2010

Durata:138 MIN

Paese:USA

Genere: thriller psicologico

Cast: Leonardo Di Caprio, Ben Kingsley, Mark Ruffalo, Michelle Williams...

Shutter Island è un film del 2010 diretto dal mitico Martin Scorsese, con Leonardo Di Caprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley e molti altri veterani di Hollywood.

La storia è tratta dal romanzo del 2003 di Dennis Lehane “L’isola della paura".

Martin Scorsese, ma anche i protagonisti della pellicola, si trovano in difficoltà durante la direzione di questo thriller psicologico, data l’ambientazione e il grave disturbo della personalità da far interpretare al protagonista.Ma a mio parere hanno fatto un ottimo lavoro, in particolare Di Caprio che ha reso al meglio il disturbo portato dal suo personaggio, nascondendolo fino alla fine e quasi confondendo il finale.

Un Di Caprio che vediamo nei panni dell’agente federale Edward Daniels (Teddy), affiancato dal suo compagno Chuke Aule (Mark Ruffalo). I due attori, proiettati nell’anno 1954, vengono mandati a Shutter Island, in un istituto per criminali con problemi psichici.

I due agenti sono stati mandati lì per ritrovare un detenuto evaso, ma Teddy in realtà ha anche un secondo fine, ovvero trovare l’assassino di sua moglie e dei suoi figli.

Fin dall’arrivo dei due viene mostrata un’area di misteriosità, da parte dei detenuti, ma anche del personale del luogo. Durante i primi minuti del film, c’è un’inquadratura in particolare che per me trasmette al meglio la paura e la misteriosità dell’Ashecliff Hospital.

A causa di un temporale, il ritorno dei due agenti viene rimandato, e grazie a questo tempo in più, Teddy ottiene delle prime risposte per il caso, che in realtà poi lo porteranno totalmente su un’altra strada.

Durante tutto il film lo spettatore, come anche i protagonisti, è tenuto all’ oscuro dei misteri che nasconde il luogo, e solo dopo una serie di eventi e ricerche effettuate da Daniels e dal suo collega, sembra che i due abbiano risolto il caso e scoperto il segreto che nasconde l’istituto. Ma bisogna aspettare la fine del film per scoprire la vera natura del loro “viaggio”?.

Come ho già detto, Shutter Island, è un film ben fatto in tutto, dalla scrittura e dall’interpretazione degli attori, alle riprese, che fanno sì che lo spettatore si immerga nella storia e stia sul filo del rasoio per tutta la durata del film. Spero che con questa breve introduzione abbia catturato la vostra curiosità, e spero vediate il film, in modo che possa catturarvi e stupirvi come è accaduto a me.